Travessa literária

Cartaz na parede

2012-01-16T19:18:00.002-02:00

Música

2012-01-16T19:14:00.004-02:00

A volta das coleções de Cinema em fascículos

2012-01-16T18:47:00.009-02:00

A volta das coleções de Cinema em fascículos

por Breno Rodrigues de Paula

No último dia 15 de fevereiro chegou às bancas o último fascículo da “Coleção Folha de Cine Europeu”. Ao todo, foram 25 edições de livros-DVD com produções de sete países do velho continente: oito produções italianas, sete francesas, quatro alemãs, duas espanholas, e uma russa, sueca, polonesa e inglesa, com filmes de diversas fases da história do Cinema mundial, passando pelo Expressionismo alemão, Realismo poético francês, Neo-realismo italiano, pela Nouvelle vague francesa e pelo Novo Cinema alemão (Junger Deutscher Film). Os destaques da coleção ficam por conta dos filmes “Asas do desejo”, de Wim Wenders; “A doce vida”, de Federico Fellini; “O Encouraçado Potemkin”, de Serguei Eisenstein; “Os Incompreendidos”, de François Truffaut e “Acossado”, de Jean-Luc Godard.

“Asas do desejo” (Der Himmel über Berlin, 1987) é um marco na carreira do cineasta alemão Wim Wenders (1945-), que havia ganhado a Palma de Ouro em Cannes com “Paris, Texas”, em 1984. A tradução do filme possui um aspecto grosseiro, pois leva em conta o péssimo remake hollywoodiano “Cidade dos anjos” (1998). Mas em “os céus sobre Berlim” há anjos que observam a humanidade em preto e branco. O filme aborda questões existenciais a partir da paixão do Anjo Damiel (Bruno Ganz) por uma trapezista chamada Marion (Solveig Dommartin), toda a tradição filosófica alemã, de Kant à Schopenhauer, passando por Heidegger, é colocada a partir de imagens que se tornam contemplativas, são elas poéticas, uma metáfora da condição ontológica humana.

O russo Serguei Eisenstein (1898-1948) foi um gênio. A sua teoria acerca da montagem cinematográfica, juntamente com a sua grande capacidade de dirigir grandes filmes como “A greve” (Statchka, 1924), “Outubro” (Oktiabr, 1927), “Alexandre Nevski” (Aleksandr Nevski, 1938) ajudaram a elevar o cinema à categoria de Sétima Arte. No filme “O Encouraçado Potemkin” (Bronenosets Potyomkin, 1925) podemos notar toda a genialidade de Eisenstein como cineasta. O filme tem uma estrutura coesa e uma montagem que revela a concepção formalista do grande cineasta russo, ele narra a história da revolta de um grupo de marinheiros no famoso Encouraçado, sendo ainda uma alegoria da revolta e da força da classe operária, que deve lutar contra a tirania e a opressão em prol de uma revolução do proletariado.

“Os Incompreendidos” (Les quatre cents coups, França, 1959) é um filme que trata da adolescência, um período de latência e descompasso entre o adolescente e o seu meio, seja escolar quanto familiar. O filme é, em grande parte, autobiográfico. A figura e a história de Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) se confundem com as da infância do diretor François Truffaut (1932-1984), tanto que o ator Léaud é o alter ego de Truffaut, que realizou ainda mais um curta-metragem “Antoine e Colette” (L`amour à vingt ans, França, 1962) e três longas-metragens “Beijos proibidos” (Baisers volés, França, 1968), “Domicílio conjugal” (Domicile conjugal, França, 1970) e “Amor em fuga” (L'amour en fuite, França, 1978), todos tendo Antoine Doinel como protagonista. Nestes filmes, podemos acompanhar o desenvolvimento de Doinel até os trinta anos. Tais filmes mostram a influência de Balzac, já que os personagens aparecem em mais de um romance.

O filme de Jean-Luc Godard (1930-) “Acossado” (À bout de souffle, França, 1960) foi realizado em parceria com Truffaut, que escreveu o roteiro. A história do filme é simples: um homem, chamado Michel Poiccard (Jean-Paul Belmondo), rouba um carro em Marselha. Na fuga em direção à Paris, Michel mata um policial. Chegando na cidade luz, tenta encontrar um amigo que lhe deve algum dinheiro. Neste meio tempo, tenta convencer a jovem estudante estadunidense Patrícia (Jean Seberg) a irem juntos para a Itália. Em meio às divagações em um quarto, a jovem entrega Michel à polícia, que o mata em uma rua de Paris. O interessante que “Acossado” exige uma postura diferente do espectador, visto que a história é simples, no entanto, o modo como é estruturada a narrativa é extremamente complexa: não há uma progressão dramática; a narrativa é fragmentária, com diálogos aparentemente desconexos, mas cheios de elementos significantes.

A “Coleção Folha de Cine Europeu” retoma a tradição de fascículos semanais vendidos em bancas de jornais, que teve o seu ápice nas décadas de oitenta e noventa do século passado, com coleções das mais diversas áreas, tais como História, Literatura, Filosofia, Música, etc. O interessante da coleção é sua qualidade da curadoria e do projeto gráfico, com um conteúdo biográfico, filmográfico e crítico acerca dos cineastas e dos seus respectivos filmes a cargos de Cássio Starling Carlos e Pedro Maciel Guimarães, doutor em Cinema pela Sorbonne Nouvelle – Paris 3, responsável pela excelente qualidade dos textos.

Link do artigo que também foi publicado no jornal Tribuna Impressa:
http://www.araraquara.com/to-ligado/geral/2012/01/20/a-volta-das-colecoes-de-cinema-em-fasciculos.html

2011-11-05T15:30:00.002-02:00

"O Palhaço" e a melancolia do cômico de Selton Melo

2011-11-05T15:14:00.012-02:00

"O Palhaço" e a melancolia do cômico de Selton Mello

Por Breno Rodrigues de Paula

O filme brasileiro “O palhaço” é a segunda tentativa de incursão do ator Selton Mello na direção de um longa - metragem, a primeira foi em 2008 com “Feliz Natal”. Conhecido pelas suas atuações, no qual interpreta-se a si mesmo, Melo fez um filme simples, sútil-, sem grandes pretensões, com uma narrativa linear, um estilo com um discurso cinematográfico padrão, e um tema de fácil assimilação: a busca por identidade.

A narrativa é bastante simples, conta a história de um palhaço chamado Benjamim (Selton Mello) que está em crise de identidade, em um meio desarmonioso, o circo no qual seu pai é dono está cheio de dificuldades, representadas pelos dramas e pelas dificuldades de relacionamento entre a trupe circense: a dupla de músicos, a dupla de mágicos e sua filha observadora, o grandalhão e a exuberante e femme fatale Lola.

Em busca da sua identidade, o palhaço Benjamin deixa a trupe e caminha pelas estradas pedregosas de Minas Gerais, primeiro em busca de um pseudo - amor vai de Montes Claros à Passos, ou seja, do norte ao sul das gerais, em seguida, emprega-se em uma loja de eletrodomésticos, construindo, assim, uma identidade social padrão e rotineira, o que o leva a perceber que a sua identidade é a do palhaço (“O gato bebe leite, o rato come queijo, ele só sabe ser palhaço”). Todo esse caminho de busca é permeado por um fetiche por ventiladores. Com a volta de Benjamim para a trupe, tem-se a volta da harmonia, ou seja, de um estado de caos e a busca da identidade, há a harmonia e a aceitação.

Selton Mello é melhor diretor do que ator, acusado de sempre se interpretar, cheio de limitações dramáticas, como diretor conseguiu fazer duas proezas: a primeira, fazer um filme simples e sem erros ou complicações, mesmo recorrendo a alguns clichês cinematográficos, com forte influência do diretor Luiz Fernado Carvalho, e a segunda, fazer com que a sua atuação fosse destoante, pois não interpretou-se, o que já é um êxito.

Mas destaque para a direção de arte, mesmo com algumas falhas (colocaram a bandeira do São Paulo em cima da mesa do delegado, mesmo com a imagem desfocada dava para ver as duas estrelas amarelas e duas vermelhas, as duas Adhemar Ferreira da Silva e duas pelos bi-campeonatos mundiais de clubes), e para a sonoplastia, que compôs uma trilha com toques circenses, com música eletrônica e rock, além de uma provável influência do Yann Tiersen.

O tema da melancolia do cômico já havia sido trabalha pelo cineasta italiano Federico Fellini no seu filme “Os Palhaços” (1970), bem como por personagens tais como os criados pelo ator italiano Totò, Charles Chaplin, com o seu personagem Carlitos, ou ainda por Tati. O tema associado com a busca de identidade se mostra uma relação simples e emotiva, com uma identificação e empatia por parte do espectador.

O filme “O palhaço” têm seus méritos: divertido, agradável e simples-, nada excepcional. Com destaque para a construção das personagens, mesmo sendo personagens tipos representativas, possuem carismas na sua concepção e construção dramática. Mas, o que mais agrada é o sotaque mineiro das personagens e as paisagens das gerais.

Trailer do Filme:

Cine Campus: Semana de Animação

2011-09-19T16:42:00.001-03:00

Cine Campus: Semana de Animação

2011-08-30T11:22:00.000-03:00

Cine Campus Cinema e Debate: Cinema Marginal

2011-08-30T11:16:00.003-03:00

O Planeta dos Macacos e o conflito sapiens

2011-08-30T10:50:00.009-03:00

O Planeta dos Macacos e o conflito sapiens

Por Breno Rodrigues de Paula

Com a teoria da Evolução das Espécies de Charles Darwin, tem-se que as espécies animais evoluíram e se multiplicaram, das mais simples para as mais complexas. No caso dos hominídeos, a evolução parte da evolução símia, tendo os chipanzés como parentes distantes. No filme O Planeta dos Macacos: a origem (Rise of the Planet of the Apes) há o conflito entre as famílias da mesma ordem: hominídeos versus primatas, ou seja, a gênese desse conflito.

O filme é dirigido por Rupert Wyatt e se insere dentro do universo da série clássica O Planeta dos Macacos, inspirado pela obra literária La planète des singes do escritor francês Pierre Boulle. O livro, publicado em 1963, deu origem a uma série de cinco filmes: o primeiro intitulado Planeta dos Macacos (Planet of the Apes, 1968); o segundo De volta ao Planeta dos Macacos (Beneath the Planet of the Apes, 1970); o terceiro Fuga do Planeta dos Macacos (Escape from the Planet of the Apes, 1971); o quarto A Conquista do Planeta dos Macacos (Conquest of the Planet of the Apes, 1972) e o quinto, e último, filme da série clássica é Batalha do Planeta dos Macacos (Battle for the Planet of the Apes, 1973), depois, em 2001, foi lançado o filme O Planeta dos Macacos, do cineasta Tim Burton, com uma releitura do universo da série.

Diferentemente do filme de Tim Burton, excluído de qualquer relação cronológica com a série, o filme O Planeta dos Macacos: a origem se insere dentro da cronologia dos cinco primeiro filmes da série. Ele é como se fosse a gênese do conflito entre homens e macacos, pois mostra como se iniciou a revolta símia e como adquiriram inteligência. O interessante que a inteligência é sempre caracterizada com a aquisição de uma linguagem, ou seja, de um sistema semiológico, pois o ponto máximo da emancipação símia é a capacidade da linguagem, é quando o chimpanzé César pronuncia a sua primeira palavra: “Não”. Com a linguagem vem a apreensão da realidade, com a apreensão vem a compreensão, no caso de César, de forma crítica e revoltosa.

O filme é bastante maniqueísta, o espectador toma partido na relação entre homo e símio, pois o uso de macacos como cobaias, os mal – tratos, o levam a validar a “revolta dos macacos”, e no conflito, a tomar partido símio. Pois na busca da cura de doenças degenerativas cerebrais como o mal de Alzheimer, o cientista Wiil (James Franco) desenvolve um vírus que regenera e multiplica os neurônios e a capacidade cerebral. No entanto, o teste em macacos, cria um efeito não esperado, a alta inteligência símia.

No início havia as trevas, fez-se a luz a partir do verbo-, da palavra; no início era a submissão, veio a liberdade, a palavra “Não”. Com a rebelião, a revolução do macaco-, a ordem na evolução inicia a quebra, a mudança. O conflito se torna no âmbito do sapiens, entre o homo sapiens e o símio sapiens-, na origem da sapiência: conflito.

Trailer do filme O Planeta dos Macacos: a origem

2011-08-12T20:11:00.000-03:00

Munsterberg e união da psicologia com o cinema

2011-08-12T20:05:00.001-03:00

Munsterberg e união da psicologia com o cinema

por Breno Rodrigues de Paula

A crítica cinematográfica, desde os seus primórdios, esteve ligada às outras críticas. Conce

itos de um determinado campo migraram e foram utilizados por diversos críticos ao analisarem determinadas obras cinematográficas ou, até mesmo, características gerais da sétima arte. No início do século XX, conceitos e métodos da psicologia foram empregados na tentativa de explicar o efeito de realidade que o cinema causa no espectador e quais elementos psicológicos são suscitados pela narrativa cinematográfica. O pioneiro neste tipo de crítica cinematográfica foi o psicólogo germânico, professor de Havard, Hugo Munsterberg. Na sua obra Photoplay: a psychological study (1916), ele analisa a relação do cinema com o espectador, bem como os elementos que a sustentam, tais como a atenção (voluntária e involuntária), a memória, a imaginação e a emoção (comunicada e suscitada).

O primeiro item analisado por Munsterberg é a atenção. Ela seria uma das funções internas que mais cria significados do mundo exterior. Ela é mais fundamental, pois seleciona o que é significativo e relevante. Munsterberg afirma que a atenção faz com que o caos das impressões, que nos cercam, se organize em um verdadeiro universo de experiências. No cinema, a disposição formal de imagens sucessivas pode controlar a atenção, juntamente com o fato de o espectador estar em uma sala escura, direcionando o seu campo de visão para um quadro retangular (tela), onde são projetadas imagens bidimensionais.

Munsterberg divide a atenção entre voluntária e involuntária. A atenção é voluntária quando as impressões partem de idéias pré-concebidas que almejamos colocar no nosso foco de observação. A escolha prévia do objeto da atenção levaria a ignorar tudo o que não satisfizesse um determinado interesse específico, de modo que, assim, ela controla toda atividade psíquica.

Para Munsterberg, a atenção involuntária é muito diferente da voluntária. A influência diretiva lhe é extrínseca, de modo que o foco de atenção é dado pelos objetos percebidos. Tudo o que mexeria com os instintos naturais assume o controle da atenção. Munsterberg afirma que, no cotidiano, a atenção voluntária e involuntária caminham juntas. No entanto, no cinema há o predomínio da atenção involuntária. O cinema trabalharia com a involuntária, portanto. Ele possui meios de canalizá-la para os pontos importantes da narrativa cinematográfica. A força primordial que age sobre a atenção involuntária é a imagem.

O segundo item analisado por Munsterberg é a memória, que seria a fonte de idéias e da imaginação. A memória atuaria na mente do espectador, evocando coisas que dão sentido pleno, situando melhor cada cena, cada palavra e cada movimento. A cada momento, o espectador precisa se lembrar o que aconteceu nas cenas anteriores. Munsteberg afirma que a memória se relaciona com o passado e a imaginação com o futuro. O cinema agiria de forma análoga à imaginação. Ele possui idéias que não estão subordinadas às exigências concretas dos acontecimentos externos, mas sim às leis psicológicas das associações de idéias. Assim, a memória pode se correlacionar com a imaginação.

O último item analisado por Munsterberg é a emoção. Cumpre distinguir dois grupos diferentes: de um lado, as emoções que comunicam os sentimentos do atores e de seus respectivos personagens dentro do filme; do outro lado, as emoções que as cenas do filme suscitam no espectador, podendo ser inteiramente diversas, até mesmo, as emoções expressas pelos personagens.

A teoria de Munsterberg foi uma das pioneiras na história da crítica cinematográfica, ao relacionar elementos da psicologia, tais como a atenção, a memória, a imaginação e as emoções. Ele desenvolveu uma “proto” teria formativa do cinema, ao classificar elementos fílmicos como o close-up e o movimento da câmera como geradores de significados que podem agir de diversas formas sobre o espectador. Logo, ele objetivou demonstrar o impacto que o cinema possui sobre o espectador ao atacar seus sentidos.

Cine Campus: México - Argentina

2011-08-12T19:27:00.006-03:00

Cine Campus: México - Argentina

Trailer do filmes "E sua mãe também":

Trailer do filme "Abraço Partido":

O “Humanitismo” como elemento satírico na obra de Machado de Assis.

2011-06-23T22:02:00.008-03:00

O “Humanitismo” como elemento satírico
na obra de Machado de Assis.

por Breno Rodrigues de Paula

No final do século XIX, tem-se um grande desenvolvimento do pensamento científico na área de humanidades: há o aparecimento de novas metodologias, disciplinas e conceitos científicos, como o marxismo, o socialismo, o positivismo, o darwinismo, o naturalismo, etc. Essas idéias acabaram por serem introduzidas na vida intelectual brasileira daquele século. O Positivismo, o Naturalismo, o Evolucionismo vão se exprimir agora no pensamento nacional e determinar um notável progresso de espírito crítico da classe intelectual brasileira nascente, influenciando o pensamento político e, sobretudo, as artes, principalmente a literatura, como é o caso de Machado de Assis, que assimila estes conceitos em suas obras de forma crítica.

Na obra de Machado de Assis, principalmente em Memórias Póstumas de Brás Cubas, o “humanitismo” pode ser interpretado como sátira ao positivismo, ao cientificismo, ao naturalismo filosófico do século XIX, principalmente à teoria darwiniana da luta pela vida, da seleção natural do mais apto como processo essencial da evolução das espécies. A teoria do “ao vencedor, as batatas”, célebre frase de Quincas Borba, ilustre personagem-filósofo de Machado de Assis, que sendo louco é machadianamente lúcido, pode ser lida como uma paródia irônica do cientificismo da época realista/naturalista, relativizando as verdades científicas de seu tempo e desnudando ironicamente o caráter desumano e antiético da “lei do mais forte”.

Nessa direção, no conto O Alienista, o hospício pode ser visto como a casa do poder, que subjuga seus pacientes ao arbítrio do alienista Simão Bacamarte, representante da ciência, da lei e da ordem, que a todos submete, escorado em sua convicções “científicas” sobre a normalidade e a anormalidade do comportamento humano.

Machado de Assis, ao relativizar os postulados do pensamento cientifico, o faz de forma irônica, compondo uma sátira da sociedade, das idéias que norteiam estes pensamentos, sejam eles positivistas, naturalistas, evolucionistas, etc. A ironia se mostra como um excelente recurso para uma reflexão critica sobre estes conceitos filosóficos e Machado a utiliza ao tratar do “humanitismo”.

2011-06-05T12:35:00.002-03:00

Cine Campus: Clássicos da Sessão da Tarde

2011-06-05T11:02:00.007-03:00

Cine Campus: Clássicos da Sessão da Tarde

Há filmes que se tornam clássicos, não pela sua qualidade ou proposta estética - formal, mas sim pela importância que adquirem na formação cinéfila e no percurso crítico, em fases iniciais, é o caso dos famosos e saudosos filmes da Sessão da Tarde, nas décadas de 80 e 90 do século passado. Todo e qualquer espectador, do período, tem a sua lista dos 10 melhores filmes da sessão da tarde, gosta mais de uns do que de outros, mas todos foram assistidos e revistos diversas vezes. Nessa sessão do CINE CAMPUS, uma homenagem a esses clássicos, por serem saudosos e fazerem parte de uma fase da vida, em que a única preocupação era decidir se assitia a Sessão da Tarde ou se jogava futebol: escolha que se motrava difícil.

Mas tenho, ainda, alguns filmes que me faziam deixar de jogar futebol, ainda bem:

1. Conta comigo
2. Curtindo a vida adoidado
3. Te pego lá fora
4. Os Goonies
5. Jovem de novo
6. Férias frustadas
7. Namorada de aluguel
8. A história sem fim
9. Elvira: a rainha das trevas
10. De volta para o futuro

Trailer de Curtindo a vida adoidado

Trailer de Garotos perdidos

Trilha do filme Garotos perdidos, cantada pelo Echo and The Bunnymen "People are strange"

2011-05-21T14:17:00.000-03:00

Cine Campus: Semana Mandarim

2011-05-17T08:20:00.002-03:00

Cine Campus: Semana Mandarim

Música

2011-04-30T17:30:00.002-03:00

2011-04-30T17:06:00.008-03:00

Ballad of John Lennon and Paul McCartney

Por Breno Rodrigues de Paula

Contrariando o senso comum que diz ser verdade uma mentira contada mil vezes, em relação aos Beatles, essa afirmativa se mostra ainda mais complexa-, pois ela pode nascer como mentira e, depois, se tornar verdadeira, ou vice-versa. No caso de John Lennon e Paul McCartney o equivoco se mostra presente: John sempre foi considerado o revolucionário, enquanto Paul era o retrógado-, mas ambos trocaram de papel, ora um sendo revolucionário-, ora outro sendo retrógado.

Musicalmente falando, pode-se considerar Paul como o grande vanguardista dos Beatles-, responsável, inicialmente, pelo grande experientalismo musical, que caracterizou a banda a partir de 1964 com o lançamento dos discos A Hard Day’s Night e Help. Enquanto John vivia uma vida suburbana de classe média aos arredores de Londres-, Paul entrava em contato com a vanguarda artística londrina, o que acabou refletindo nas sua composições, basta pegarmos como exemplo a música Yesterday, que dialoga com a música de câmera, um tipo de produção clássica, composta por um quarteto de cordas que conta com dois violinos, uma viola e um violoncelo.

Neste primórdio, Paul incorporava, nas suas composições, os elementos musicais, artísticos e culturais da Swing London-, que estava em contato, transformando-se e posicionando-se de forma revolucionária frente à música Pop-, o que não ocorria com John, que ainda estava preso aquela visão da estrutura padrão do Rock ‘n’ roll, com os seus três ou quatro acordes com uma estrutura melódica e letras simples, como ele dizia: “Quero é fazer rock ‘n’ roll”, posicionando-se, assim, de forma retrógada e reacionária frente à música.

Depois, esta ordem e posicionamento artístico são modificados, John se mostra mais adepto ao experimentalismo musical, principalmente depois que conhece Yoko Ono, responsável por tirá-lo do ostracismo da sua vida provinciana e limitada. John passa a “competir” com Paul de forma mais incisiva, ampliando seus limites e sua visão a respeito da música. Neste momento que surge composições complexas como A Day in the life, I am the Walrus, Strawberry Fields Forever e Tomorow Never Knows.

A partir do projeto Get back, inciado em 1969, é que a visão duradoura e recorrente sobre as personalidades do Fab Four se consolidou, transformando John em revolucionário e Paul em retrógado, pois nas gravações dos discos Let it be ( gravado em 1969 e lançado em 1970) e Abbey Road (1969), pois enquanto o último se prendia em composições melódicas simples e recorrentes, como a música Let it be-, o primeiro trabalhava em músicas complexas e experimentalistas como I want you (she’s so heavy). Outro elemento que ajudou a consolidar esta visão, foi o fato de que, politicamente, John se tornou mais engajado com a esquerda, enquanto Paul se mostrava mais diplomático e conivente, e amigo, do establishment político e econômico.

Pode-se dizer que, nos primórdios dos Beatles, ao estabelecer o dialogo da música Pop com a música Clássica, Paul ampliou as possibilidade formais e alterou o padrão de composição do Rock ‘n’ roll, posicionando-se de forma revolucionária, enquanto John mostrava-se retrógado e reacionário, musicalmente. No entanto, depois de 1967-, esta ordem começa a se inverter, Paul ficando com uma imagem retrógada e reacionária-, e John passando a ser o revolucionário e experimentalista-, imagem que perdurada até os dias de hoje, reforçada pelo posicionamento político de John, cada vez mais de esquerda. Assim, uma mentira se transformou em verdade, mas nasceu mentira.

Cine Campus: Javier Bardem

2011-04-30T17:03:00.001-03:00

Cine Campus: Clássicos P&B

2011-04-21T19:04:00.002-03:00

Cine Campus: Clássicos P&B

Trailer: Cidadão Kane

Trailer: Casablanca

Música

2011-04-16T18:46:00.002-03:00

Cine Campus: Walter Salles

2011-04-16T18:38:00.004-03:00

Cine Campus: Walter Salles

Trailer

Cine Campus: The kids aren´t all right

2011-04-08T08:14:00.003-03:00

Cine Campus: The kids aren´t all right

Música

2011-04-02T12:08:00.000-03:00

Rock de Dois

2011-04-02T11:10:00.008-03:00

Rock de Dois

Por Breno Rodrigues de Paula

A formação padrão de uma banda de Rock, que tem as suas origens na formação de bandas de Jazz, é de quatro membros: um baterista, um contra-baixista, um guitarrista e um vocalista. O primeiro a quebrar essa formação foi Jimi Hendrix, com a sua banda chamada Jimi Hendrix Experience (1966 1969), com o seu Power Trio formado pelo baixista Noel Redding e pelo baterista Mitch Mitchell, além do próprio Hendrix na guitarra e nos vocais; depois outro Power Trio é formado pela banda Cream (1966 - 169), que contou com Eric Clapton (vocal e guitarra), Jack Bruce (baixista) e o excelente baterista Ginger Baker. Depois, nos últimos 15 anos, cresceu o número de bandas formadas por somente dois membros, como é o caso de The White Stripes, She & Him e The Ting Tings.

The White Stripes foi formada na Detroit Rock City em 1997 por Jack White (compositor, vocalista, guitarrista, pianista) e Meg White (baterista, percussionista e vocalista). A banda durou até fevereiro de 2011, quando fora anunciado o fim da parceria. Ao todo, lançaram oito discos: The White Stripes (1997), De Stijl (2000), White Blood Cells (2001), Elephant (2003), Get Behind Me Satan (2005), Walking whit a Ghost (2005) e Icky Thump (2007). A banda se apóia na extrema genialidade de Jack, talvez o músico da linha Pop Serial mais criativo dos últimos vinte anos, com um estilo fundido pelo Blues, Punk, Folk Rock, Indie e Underground, com destaque para as músicas Let’s a build a home (2000), You’re Pretty good looking (For a girl) (2000), Seven Nation Army (2003), The Hardest Button to Button (2003), Blue Orchid (2005), Little Cream Soda (2007).

A dupla She & Him, como o próprio nome sugere, é formada por Zooey Deschanel (vocal, piano e banjo), que ainda é atriz; e M. Ward (guitarra). A parceria foi formada em Oregon (EUA) em 2006, lançaram somente dois discos: o primeiro em 2008, intitulado Volume One; e o segundo em 2010, com o nome de Volume Two. O estilo da dupla caminha entre o Folk e o Indie, caracterizando-se por um som bem soft. O álbum de estréia possui uma excelente qualidade, com releituras de clássicos destacados pela voz de Zooey, tais como You Really Gotta Hold On Me, da banda The Miracles da gravadora Motow, originalmente lançado em 1962; e ainda I Should Have Know Better, do álbum A Hard Day’s Night, trilha sonora do filme homônimo dos Beatles, lançado em 1964. Mas o destaque fica por conta das músicas Sentimental Heart e Change is Hard; o canto da sereia de Zooey.

The Ting Tings é a banda mais recente das três, foi formada em Londres no ano de 2004 e conta com a dupla Katie White (vocal e guitarra) e Jules de Martino (bateria, baixo, vocal, piano). Lançou apenas um disco We Started Nothing, lançado em 2008 e vários singles de sucesso com um estilo Indie, Punk, New Wave dançante e Tecnopop. Os singles That's Not My Name e Shut Up and Let Me Go, juntamente com We Walk tornaram-se grandes sucessos de crítica e público. Em 2009, a dupla esteve no Brasil no Planeta Terra Festival, no entanto, para o azar deles, tocaram no palco Indie no mesmo horário que a lenda Iggy Pop se apresentava no palco principal.

A formação das bandas de Rock sofreu modificações ao longo dos últimos cinqüenta anos, passando pela formação padrão clássica com quatro membros; pelos Power Trios (Jimi Hendrix Experience e Cream); indo pelos “Rock de Dois” (The White Stripes, She & Him, The Ting Tings) dos últimos quinze anos e, até mesmo, ao solo, como ocorreu com o disco pós-Beatles de estréia de Paul McCartney, no qual ele tocou todos os instrumentos. A mudança da formação das bandas está diretamente relacionada à evolução dos métodos de gravação de estúdio, que a indústria fonográfica desenvolveu: dos estúdios de quatro canais, até os estúdios com canais de múltiplos de dois ad infinitum, com tecnologia digital, o que possibilita a gravação de múltiplos instrumentos, ou partes deles, em diversos canais, com uma posterior junção na canção, possibilitando, desta maneira, que um número reduzido de músicos grave um número grande de instrumentos necessários para a execução da melodia e do vocal da canção.

PS: Há hiperlinks nas canções citados no texto, que remetem à vídeos no youtube, basta clicar sobre o nome das músicas.

Cine Campus: Irmãos Coen

2011-04-02T10:57:00.007-03:00

Cine Campus: Irmãos Coen

Trailer de FARGO

Trailer de ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

Cine Campus

2011-03-26T12:02:00.002-03:00

Cine Campus: Cinema da retomada

2011-03-21T22:17:00.002-03:00

Cine Campus: Cinema da retomada

2011-03-15T09:11:00.001-03:00

Cine Campus: Pedro Almodovar

2011-03-12T15:35:00.002-03:00

Cine Campus: Pedro Almodovar

Música

2011-03-05T18:16:00.001-03:00

Cine Campus: Cinema Paradiso

2011-03-05T18:02:00.003-03:00

Cine Campus: Cinema Paradiso

Um filme sobre cinema comovente, uma pequena jóia do cinema.

Por Deivid Cardoso

Uma das coisas mais belas que a vida nos traz são as amizades que conseguimos ao longo dela. Não importa se são entre mulheres, homens, jovens, adultos, ou até entre crianças e adultos, desde que elas sejam verdadeiras. Isso é o que o diretor Giuseppe Tornatore, de Cinema Paradiso, nos mostra, em uma linda história entre uma criança que adorava ir ao cinema e o projecionista do local, que já era uma pessoa mais vivida. Quem é fã de cinema e já assistiu a esse filme sabe do que estou falando. Mas para os que somente o conhecem de nome, ou por ter ganhado o Oscar de melhor filme estrangeiro em 1989, direi o que acho dessa bela obra.

O filme conta a trajetória desde a infância difícil, passando pelos problemas da adolescência, até a maturidade de Salvatore di Vitto (também conhecido por todos como Toto). O personagem foi interpretado por três atores diferentes: Salvatore Cascio (quando criança), Marco Leonardi (quando adolescente) e na fase adulta Jacques Perrin. A história se passa em uma Itália pós-guerra, na pequena cidade de Giancaldo. Um lugar onde todo mundo se conhece e a única atração restante é o velho Cinema Paradiso, aonde todos vão aos finais de semana para se divertirem um pouco.

Antes das sessões serem passadas ao público em geral, o padre local assiste ao filme da semana em particular para fazer a censura, cortando cenas que ele acha serem desprovidas de pudor. Isso sempre afetou as sessões, pois bem na hora daquele esperado beijo ardente, a cena é cortada para a seguinte, causando um furor entre os espectadores. Foi em uma dessas sessões de corte que o pequeno Toto, àquela época o coroinha do padre, que sempre freqüentava o cinema escondido dele, conheceu o projecionista do cinema, Alfredo (interpretado por Philippe Noiret). Assim, começou a amizade entre os dois, que a princípio não foi das melhores, pois o homem não gostava que o pequeno se metesse em seu trabalho. Também porque a mãe de Toto, que estava sempre à espera de seu marido que nunca voltaria da guerra, não aceitava que seu filho pequeno perdesse seu tempo indo ao cinema.

Por viver em um lar atormentado e ver no cinema sua única forma de esquecer os problemas de sua ainda curta vida, Toto foi perseverante e conseguiu que a amizade de Alfredo fosse conquistada. Agora os dois eram os projecionistas do Paradiso e podiam ver de camarote a alegria de um povo que via no cinema a sua forma de diversão. Tudo corria muito bem, até que um dia a película pega fogo, incendiando todo o cinema e fazendo com que Alfredo, salvo por Toto, ficasse cego, e o Paradiso fosse destruído por completo. Mas um morador local que havia ganhado na loteria e ficado milionário reconstruiu e o batizou de “Novo Cinema Paradiso”. Assim, Toto foi contratado e assumiu o cargo de seu velho amigo.

Os anos se passaram e o menino virou um adolescente cheio de vaidades e se apaixonou por uma moça, mas não foi retribuído. Sendo persistente como sempre, ele ganhou o seu amor. Mas foi por pouco tempo, pois ele teve de servir o seu exército e ela, ir para a faculdade. Voltando do exército, mas vendo que ali não tinha mais nada a fazer sem seu amor por perto, e com o conselho de seu velho amigo na cabeça, foi embora da cidade para tentar uma nova vida, onde veio a se tornar um cineasta, somente voltando trinta anos mais tarde, já amadurecido pela idade e pelas experiências de vida.

Cinema Paradiso não possui somente uma história tocante e de personagens sinceros e bem desenvolvidos. As tomadas são muito bem filmadas e o roteiro foi muito bem escrito pelo diretor e por Vanna Paoli (que foi uma colaboradora), mostrando um ambiente simples, mas ao mesmo tempo rico em personagens, mesmo os coadjuvantes, como o homem que se denomina dono da praça onde o cinema se localiza. A sequência em que os meninos ficam um pouco excitados com uma cena que está passando (isso quando o padre não as censurava mais) também é de uma inteligência rica.

Com um ambiente único e bem filmado, mostrando-nos nas expressões de cada personagem seus mais fortes sentimentos, Cinema Paradiso é uma ode à vida. O filme conta que a vida somente tem um sentido se temos alguma paixão e amizade para compartilhá-la, pois mesmo tendo muitos amores em sua vida, Toto nunca mais esqueceu de seu velho amigo e do Paradiso, que foi demolido para a construção de um estacionamento (essa é sem dúvida a cena mais emocionante do filme). Usando de palavras ditas pelo próprio personagem do filme, eu o descrevo como uma experiência “bela, mas triste”, pois todos nós, amantes do cinema, temos um pouco do Toto em nossos interiores.

Fonte: http://www.cineplayers.com/critica.php?id=160

Trailer

Cine Campus: Semana dos Calouros

2011-02-25T16:12:00.004-03:00

Cine Campus: Semana dos Calouros

Trainspotting de Iggy Pop: Lust for Life

Por Breno Rodrigues de Paula

LUST FOR LIFE, Johnny vem pela rua abaixo correndo-, disseram-lhe: escolha um trabalho, uma família, um seguro, uma roupa, um carro, um futuro-, uma vida. Há porquê escolher? Ele deve correr pelas ruas de Edimburgo. Quando “Trainspotting-Sem limites” (Trainspotting, U. K., 1996) foi lançado no Festival de Cinema de Cannes do mesmo ano, na categoria “Um certo olhar” (Un Certain Regard)-, em uma sessão “maldita”, a hora em que foi exibido-, não condizia com o impacto e com a sua qualidade.

Quentin Tarantino havia causado a mesma sensação dois anos antes com “Pulp Fiction: Tempos de Violência” (Pulp Fiction, EUA, 1994), se bem que nunca fui fã de seus filmes-, com uma pequena exceção do seu primeiro longa “Cães de Aluguel” (Reservoir Dogs, EUA, 1992), misture a fase noir de Godard e Scorsese em “Táxi Driver” (EUA, 1976) e voilá-, tem-se Quentin “popiorado”.

“Trainspotting-Sem limites” é uma produção independente escocesa dirigida por Danny Boyle, baseada no romance underground homônimo de Irvine Welsh-, com excelentes atuações dos estreantes atores Ewan MacGregor, Johnny Lee Miller e Kelly MacDonald. O porquê do filme tornar-se um dos mais cultuados da década de 90 do século passado, mesmo mostrando a trajetória de um curto período de vida de um jovem junk? Ele não é moralista - boçal como outros filmes da mesma década como “Diário de adolescente” ou “Cristiane F.”.

As questões mostradas no filme não são de caráter moralista, e sim situacional-, há uma correlação entre todos os elementos narrativos e formais. Tem-se um excelente tratamento da Linguagem Cinematográfica, com boa Direção e Fotografia-, além da edição. O grande destaque fica por conta da trilha sonora, que tem Iggy Pop como elemento central e divulgador-, tanto que o videoclipe da música “Lust for life” e o trailer dialogam entre si. Putz! A música “Perfect Day” de Lou Reed dá ritmo a melhor cena do filme. Ah! Cansei de escrever. Vou ouvir “TRANSFORMER”, acabara de ver Trainspotting-, agora, escutar "Berlin".

Trailer

Clipe "Lust for life"

Neste Mundo aborda o drama dos refugiados

Vencedor do Urso de Ouro no Festival de Berlim de 2003, Neste Mundo, do diretor inglês Michael Winterbottom, apaga deliberadamente a fronteira que separa a ficção do documentário para compor um drama ao mesmo tempo seco e pungente sobre os refugiados do mundo.

Winterbottom personaliza o relato na pele de dois jovens afegãos, Enayat (Enayatullah), de cerca de 20 anos, e seu primo órfão, Jamal (Jamal Udin Torabi), de 12 anos. Refugiados no campo de Shamshatto, no Paquistão, eles dividem abrigo num território de casas paupérrimas e ruas de terra batida com milhares de compatriotas que deixaram o país desde 1979, data da invasão soviética, e que continuaram saindo, especialmente após os bombardeios dos EUA em 2001.

Assim, qualquer perspectiva de vida parece melhor fora dali, e os dois decidem escapar por terra para Londres, onde um outro primo os ajudará.

O ponto forte do filme é o realismo, obtido a partir de um roteiro (de Tony Grisoni) montado sobre entrevistas de refugiados que passaram pelo mesmo calvário que os dois rapazes estão prestes a iniciar.

A filmagem com pequenas câmeras digitais concede à narrativa a urgência necessária à ambientação da história. Às vezes, as imagens são tão fluidas como se a câmera estivesse debaixo da pele dos dois protagonistas. A escassez de luz e as sequências tremidas, bem como a granulação dessas imagens, contribuem para concretizar, para o espectador, toda a instabilidade da situação de Jamal e Enayat - interpretados por dois amadores.

Jogados de um canto a outro, subindo e descendo de caminhões precários, quase sempre escondidos no meio de caixotes de legumes ou rebanhos, ou sofrendo risco de sufocamento dentro de conteineres metálicos, privados de seu dinheiro, roupas e da própria língua, estes refugiados jogam toda sua vida numa roleta-russa da qual nem todos escapam.

Ao abrir mão de explicar a psicologia dos personagens, substituindo-a por suas reações instintivas a perigos e arbitrariedades, como a exploração pelos "contrabandistas de gente" e policiais de fronteiras, o filme coloca o espectador na pele desta multidão de indesejados.

Desta empatia, Neste Mundo extrai sua força, ao mesmo tempo que desvenda, com chocante clareza, o mecanismo de um aviltante comércio humano.

Fonte: http://cinema.terra.com.br/ficha/0,,TIC-OI4407-MNfilmes,00.html

Trailer

Cartaz na parede

2011-02-05T09:51:00.005-02:00

Desenrolemos o filme, cartaz na parede-, o prazer dos olhos. No terceiro longa-metragem de François Truffaut, um ménage à trois-, mas entre Jules e Jim há a apaixonante Cathérine. La marché des amis.

Sinopse

Paris, início do século XX. Jules (Oskar Werner), um judeu-alemão tímido, e Jim (Henri Serre), um francês extrovertido, se tornam grandes amigos. Eles têm muitos dos mesmos interesses, entretanto procuram alcançá-los de forma bastante diferenciada. Em uma viagem para uma ilha um pouco distante da Grécia, eles vêem uma estátua com um sorriso sem igual e quando voltam à Paris conhecem Catherine (Jeanne Moreau), que se parece com a escultura. Logo os três boêmios se tornam um trio inseparável e eles têm muitos momentos agradáveis em passeios de bicicletas ou idas à praia. Enquanto o cenário político mundial estremece com a possibilidade da Primeira Grande Guerra, eles estão determinados em aproveitar a vida ao máximo e viver para o momento. Jules se apaixona por Catherine e implora a Jim que a deixe cortejá-la e não interfira. Jim concorda, então o trio vai para o sul da França, onde eles tem primorosas férias. Jules propõe casamento a Catherine, que aceita. Um pouco depois de retornarem a Paris eclode a Primeira Guerra Mundial. Assim Catherine e Jules vão para à Alemanha e os dois homens combatem em lados opostos da guerra. Após o armistício, Jules encontra Jim e pede para ele ir visitá-los em sua casa, um chalé no Rhineland. Jules e Catherine têm uma filha de cinco anos, Sabine (Sabine Haudepin). Jim pode ver imediatamente que o matrimônio está em crise. Catherine fala de todos os seus amantes para Jim, mas Jules quer manter o casamento a todo o custo, apesar do caso dela com Albert (Boris Bassiak), um outro amigo. Quando Jules decide que se ele não pode ter Catherine o melhor amigo dele deve tê-la, ele dá a sua aprovação para eles terem uma ligação. Jules se divorcia de Catherine e assim ela e Jim podem se casar, mas após algum tempo Jules quer vê-la imediatamente. Jim tem que voltar a Paris para um negócio e acaba se reencontrando com Gilberte (Vanna Urbino), uma antiga amante. Isto afeta de forma profunda sua relação com Catherine, mas muitas coisas mais iriam acontecer.

Lançamento (França): 1962 Direção: François Truffaut Atores: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Vanna Urbino Duração: 104 min Gênero: Drama

Pudovkin e a montagem estrutural: a segmentação do filme ou a técnica do cinema

2011-02-05T09:31:00.003-02:00

Pudovkin e a montagem estrutural:
a segmentação do filme ou a técnica do cinema.

por Breno Rodrigues de Paula

Quando vamos ao cinema para assistir a um determinado filme, vemos uma obra coesa e temos a impressão de vê-la em sua globalidade ou em sua síntese. Contudo, a obra cinematográfica, já no seu processo de criação, é constituída por partes segmentadas. O filme é dividido em partes separadas, que se dividem em seqüências, cada seqüência divide-se em cenas e, por fim, as cenas são construídas a partir de séries de planos filmados de diversos ângulos. Um dos grandes teóricos e diretores de cinema a tratar a questão da montagem foi russo Vsevolod Pudovkin, que junto com Sergei Eisenstein são os maiores expoentes da Teoria Formativa Clássica do cinema a partir da década de vinte do século passado. A sua teoria sobre a montagem está exposta no seu livro “A técnica do cinema” (1926).

Pudovkin afirma que a ação de filmar diversos ângulos geram planos, que, em série, formam cenas, que formam seqüências. A relação sintética entre estes elementos estruturais é sustentada pela montagem. Ou seja, o diretor monta o filme a partir do elemento estrutural mínimo, que é o plano, até chegar as seqüências das cenas. Pudovkin ressalta que o objetivo da montagem é mostrar o desenvolvimento da cena como se fosse em relevo, conduzindo a atenção do espectador.

A técnica cinematográfica permite filmar cenas em pedaços separados que, ao final, são montados para a exibição. Segundo Pudovkin, a montagem constrói as cenas a partir de pedaços separados, no qual cada pedaço concentra a atenção do espectador apenas para os elementos relevantes para a ação. Pudovkin salienta que a seqüência desses pedaços não deve ser aleatória, mas sim deve corresponder à transparência natural de um, segundo a sua terminologia, “observador imaginário”. Ele nos dá um exemplo que, quando um determinado personagem vira a cabeça para olhar algo, deve-se mostrar o que ele vê. Deste modo primeiro mostra-se a sua cabeça virando-se para olhar algo, em seguida, mostra-se o seu rosto para, por fim, mostrar a direção do olhar.

O cinema possui como uma de suas principais características a capacidade de dirigir a atenção do espectador para os diferentes elementos que se sucedem no desenvolvimento de uma ação. Pudovkin afirma que é necessário aprender que a montagem significa a direção deliberada e compulsória dos pensamentos e associações do espectador.

Para Pudovkin, a arte do diretor consiste na sua faculdade de criar a partir de planos separados e, depois, reuni-los a partir da montagem, criando, desta forma, a obra cinematográfica. A montagem, deste modo, combina elementos segmentados numa síntese significativa, num todo artístico, coeso e expressivo. Podemos notar que a concepção de montagem de Pudovkin era semelhante a de Eisenstein. No entanto, Pudovkin dava mais ênfase a ligação mental entre planos, ao passo que Eisenstein frisava o impacto mental entre eles, ou seja, a capacidade que A + B têm de criar um significado C.

O filme, no seu processo de criação, é segmentado em partes que, ao final do processo, devido à montagem, possui uma forma coesa e sintética. O diretor parte da seleção dos ângulos para formar os planos, que formam as cenas, que, por sua vez, constituem as seqüências, para, ao final, criar a obra cinematográfica. A teoria da montagem estrutural de Pudovkin, juntamente com a de Eisenstein, criou uma nova técnica cinematográfica a partir da segmentação dos elementos estruturais fílmicos e posterior montagem destes mesmos elementos. Tal técnica deu uma enorme contribuição para a teoria formativa clássica do cinema e, conseqüentemente, para a evolução artística da Sétima Arte.

Weezer: Blue

2011-01-07T14:40:00.002-02:00

Na trilogia das cores de Krzystof Kieslowski: o Azul

2011-01-07T14:11:00.008-02:00

Na trilogia das cores de Krzystof Kieslowski: o Azul

Por Breno Rodrigues de Paula

Krzystof Kieslowski (1941 - 1996) é um cineasta polonês bastante prolifero, a sua carreira divide-se em duas fases: a primeira fase conhecida como polonesa, na qual dirigiu a grande maioria de seus filmes para a televisão polonesa; e a segunda conhecida como fase francesa, a qual alçou fama internacional de crítica e de público a partir do filme “A dupla vida de Verônica” (La double vie de Véronique, França, 1990) e, principalmente, através dos seus últimos três filmes concebidos como uma trilogia baseada nas três cores da bandeira francesa chamados de Trois Couleurs (As três cores).

No Brasil, as traduções dos filmes receberam um acréscimo nos nomes que remetem aos significados das cores da bandeira e aos slogans da Revolução Francesa: A liberdade é azul (1993), A igualdade é Branca (1994) e Fraternidade é vermelha (1994). No original em Francês, os nomes dos filmes são respectivamente: Trois couleurs: Bleu (1993), Trois couleurs: Blanc (1994) e Trois couleurs: Rouge (1994). Ou seja, não remetem aos slogans da revolução. Peguemos, por exemplo, o primeiro filme A liberdade é azul.

No filme, Julie (interpretada magistralmente por Juliette Binoche) sofre um acidente de carro no qual morrem a filha e o marido, que é um famoso compositor de música clássica. A narrativa centra-se na tentativa de Julie de superar o trauma da perda e o assédio da mídia para saber mais informações acerca da grande peça sinfônica que o marido estava compondo.

Portanto, o azul não representa, em nenhum momento da narrativa, a liberdade, pelo contrário, a cor possui uma função bem nítida, que é a de expressar o estado de espírito de Julie, o que o cromatismo da cor azul representaria por excelência: a tristeza, a agonia, a solidão. Deste modo, a tradução brasileira pode induzir a uma pré – interpretação equivocada do filme.

A proposta estética de Kieslowski é apresentar uma trilogia das cores na qual cada uma delas está ligada a um estado de espírito. A proposta estética fica nítida, pois em cada um dos três filmes, uma das três cores é predominante em relação às outras, como pode-se notar principalmente na fotografia e na direção de arte. Assim, dentre as três cores, sempre se sobressai alguma, seja azul, branca ou vermelha. Das três cores: o azul.

Ficha Técnica

Título original:Trois Couleurs: Bleu
Direção: Krzysztof Kieslowski
Gênero:Drama
Duração:97 min
Ano de lançamento (França): 1993
Estúdio: CEB Productions / Eurimages / France 3 Cinéma / MK2 Productions / Tor Studio
Distribuidora: Miramax Films
Rroteiro: Krzysztof Kieslowski e Krzysztof Piesiewicz, baseado em estória de Agnieszka Holland, Slavomir Idziak, Edward Zebrowski, Krzysztof Kieslowski e Krzysztof Piesiewicz
Produção: Marin Karmitz
Música: Zbigniew Preisner
Fotografia: Slavomir Idziak
Edição: Jacques Witta

Traler

2010-12-08T16:54:00.001-02:00

2010-12-08T16:28:00.008-02:00

John Lennon: Nowhere Boy

Por Breno Rodrigues de Paula

Uma das características marcantes dos grandes Artistas é a capacidade que possuem para alimentar, diretamente e indiretamente, outras obras feitas por terceiros em diversas linguagens e expressões artísticas. No caso dos Beatles, as obras cinematográficas baseadas na biografia do Fab Four são quantitativamente enormes. Dentre Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr e John Lennon, o ultimo é, sem dúvida, o que mais possui cine - biografias de todas as qualidades: algumas boas, outras medianas, e muitas ruins. A última foi a produção britânica Nowhere boy, que no Brasil recebeu o título de O garoto de Liverpool, dirigida por Sam Taylor-Wood.

Alguns filmes sobre Lennon são muito ruins, como é o caso do John e Yoko: uma história de amor (EUA, 1985), dirigido por Sandor Stern, que narra, de forma grotesca e tecnicamente fraca, a relação de John com Yoko. Outro filme, que não deixa nada a desejar, é John Lennon: o mito (EUA, 2000), dirigido por David Carson e, assim como o bom Backbeat: os cincos rapazes de Liverpool (EUA, 1993) narra a formação da banda até o início da beatlemania. Nowhere boy (Ing, 2009), alterando a ordem do texto e já fazendo um juízo de valor, é mediano.

O filme começa com um acorde que remete ao início da música A Hard Day’s Night, Lennon está correndo para chegar à aula, os planos são similares aos do filme homônimo. Toda a narrativa centra-se no período de formação musical de Lennon, seu primeiro contato com o Rock ‘n’ roll, o violão dado por sua mãe Julia, o primeiro encontro com Paul McCArtney às 15h00 do dia 06 de julho de 1957, na apresentação do Quarrymem no pátio da igreja St. Peter, até a morte de Julia no final do ano.

Nowhere boy é claramente baseado nas informações biográficas contidas nos livros “IMAGINE: Crescendo com o meu irmão John Lennon” escrito pela sua meia-irmã Julia Baird; e pela biografia escrita por Philip Norman “John Lennon: a vida”. O título brasileiro foi uma escolha infeliz, o que ocorre na maioria das vezes, pois o título em inglês remete à composição Nowhere man (homem de lugar nenhum), marca essa do Artista que consegue alcançar a imortalidade através da atemporalidade de sua obra, e não a um lugar específico, no caso Liverpool.

Formalmente e tecnicamente o filme é fraco. Ele é concebido com um estilo simples, linear, em formato de filmes televisivos e cheios de clichês, desde a interpretação do atores, que beiram à construções de tipos pictóricos e, portanto, criando personagens planos. Único ponto interessante, o que é extremamente reconte em filmes sobre os Beatles, é a grande quantidade de referencias implícitas e explícitas à vida e a obra do Fab Four, o que gera uma obra bastante intertextual, deliciando aqueles que compartilham das fontes de diálogo da narrativa, ou seja, os beatlemaniacos. Pois há lugares que lembram por onde Lennon andou, pessoas que conheceu-, alguns se foram, outros permanecem ligados à vida do Nowhere man.

Sinopse

John Lennon (Aaron Johnson) é um jovem que não aceita bem as regras impostas na escola e dentro de casa. Abandonado pela mãe quando tinha cinco anos, ele vive com seus tios George (David Threfall) e Mimi (Kristin Scott Thomas). Quando George morre, Lennon é obrigado a viver com Mimi, extremamente austera e sisuda. No funeral do tio ele vê sua mãe (Anne-Marie Duff), que se mantém afastada. Seu primo consegue o endereço dela, o que faz com que Lennon resolva visitá-la. O reencontro com o filho é a realização de um sonho para Julia, que passa cada vez mais seu tempo com ele. Animada e um tanto quanto inconsequente, ela apresenta ao filho o rock'n'roll. Logo, desperta nele a vontade de montar uma banda de rock.

Ficha técnica
Título original:Nowhere Boy
Direção: Kimberley Fahey
Roteiro: Matt Greenhalgh e Julia Baird
Gênero:Drama
Duração:98 min
Ano de lançamento (Inglaterra): 2009
Site oficial: http://www.nowhereboy.co.uk
Estúdio: Ecosse Films / Film4 / UK Film Council / Aver Media / North West Vision
Distribuidora: Imagem Filmes
Produção: Robert Bernstein, Kevin Loader e Douglas Rae
Música: Alison Goldfrapp e Will Gregory
Fotografia: Seamus McGarvey
Direção de arte: Kimberley Fahey
Figurino: Kimberley Fahey
Edição: Lisa Gunning
Efeitos especiais:Lip Sync Post

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Cine Campus: Cinema e Debate

2010-11-13T19:28:00.005-02:00

A Onda

Por Fernando da Mota Lima

O filme A Onda (Alemanha, 2008) é baseado num experimento pedagógico ocorrido na Califórnia em 1967. Transposto para a Alemanha contemporânea, berço do nazismo, resulta num precioso e inquietante documento psicossocial que desce às entranhas das potencialidades destrutivas do gênero humano. Compreendido enquanto cinema, esteticamente falando, A Onda é rasa, mas importa muitíssimo pela idéia recriada para iluminar questões do presente. É isso o que intento explorar um pouco na minha crítica.

Embora incapaz de ajustar-me a qualquer movimento ou disciplina partidária, acredito que ninguém pode, a rigor, ser indiferente à política. Como disse alguém, não importa que não nos importemos com ela; ela se importará conosco. Talvez um sintoma da minha descrença na ação política se expresse na preocupação de compreendê-la em termos puramente teóricos – compreender a mais terrível onda bárbara que foi o nazismo, por exemplo. Lendo Freud, Bertrand Russell e Erich Fromm, depois vieram outros, julgo haver compreendido melhor o papel que determinados componentes psicossociais exercem na ação política.

Vamos ao filme. Rainer é um professor anarquista que ironicamente se defronta com o desafio de dar um curso sobre autocracia e regimes políticos similares (ditadura, nazismo, fascismo) para uma turma de jovens estudantes. Os jovens têm muitos dos traços psicossociais comuns à juventude do mundo ocidental e suas derivações periféricas. Esses traços decorrem, em suma, da cultura narcisista e consumista cujo solo e circuitos de manifestação contínua bem conhecemos. Incerto sobre o que fazer diante do desafio pedagógico que tem pela frente, Rainer procede a um experimento nazi-fascista em plena sala de aula. As reações dos alunos e as transformações perturbadoras que neles se processam apontam para as fontes psíquicas e sociais geradoras dos regimes políticos de extrema direita.

À exceção de Karo e outra aluna que a segue, toda a turma adere entusiasmada à formação de um grupo inspirado pelos valores e práticas do nazismo. A motivação psicológica decisiva para a adesão reside no desejo obscuro de dissolver a individualidade e a liberdade individual, bem mais penosas do que supomos, numa unidade mística e grupal. Essa unidade supõe gestos, rituais e símbolos lastreados na disciplina cega e na força forjada pelo grupo. A figura do líder é a fonte de autoridade e poder com a qual os jovens seguidores cegamente se identificam. Essa identificação liberta os jovens de pensarem e decidirem por si próprios. Pouca gente se dá conta do quanto a liberdade assim compreendida (implicando autonomia, liberdade de escolha e conseqüente responsabilidade em face do que escolhemos) é difícil e mesmo penosa.

É desse peso que os jovens participantes do experimento fascista se liberam. O líder ordena e eles disciplinadamente agem. Não ser parte dessa unidade cega e intolerante é uma ameaça à unidade conquistada que precisa crescer na sua força expansiva. É aí que a jovem Karo se torna uma ameaça que precisa ser excluída do grupo. Ela representa os valores da liberdade individual aos quais todos renunciaram. O exemplo extremo dessa renúncia cega e radical é Tim, o jovem que no desfecho do filme se suicida. Quando o professor renuncia ao papel de líder, impondo ao grupo um retorno à situação inicial, ele se revela incapaz de reverter o jogo perigoso proposto pelo professor. Sua renúncia à liberdade individual tocou o extremo passível de o impelir para a destruição completa, que no caso resulta em autodestruição.

A Onda sugeriu-me um paralelo com Sociedade dos Poetas Mortos. Este filme, talvez já esquecido, poderia ser interpretado como o oposto simétrico daquele. Também aqui nos vemos diante de um professor, Mr. Keating, cuja personalidade magnética seduz um grupo de jovens estudantes da elite americana. A pedagogia que propõe a seus alunos, inspirado pela tradição romântica libertária, baseia-se em tudo que a ideologia nazista intenta suprimir: a educação compreendida como a realização da singularidade irredutível de cada indivíduo. Faça seu próprio caminho, cante sua própria canção, realize a vida extraordinária que lateja em cada indivíduo. O desfecho de Sociedade dos Poetas Mortos também envolve um suicídio. Neil, o jovem suicida, mata-se por não poder suportar um sentido de repressão imposto pela família e a escola que suprime sua individualidade. É portanto a contraface de Tim, que se mata porque renunciou completamente à possibilidade de se realizar como indivíduo.

Anotei no parágrafo acima um paralelo grosseiro entre dois filmes de sentido antagônico com o propósito de sugerir a complexidade da realidade cultural em que vivemos. Ambas as tendências conflitantes ou inconciliáveis se manifestam de muitos modos. Meu coração e minha mente estão totalmente identificados com os valores propostos por Sociedade dos Poetas Mortos. Mas nunca me esqueço, talvez precisamente por escolher o que escolhi, que as forças profundas geradoras do fascismo estão sempre entre nós. Seriam elas acaso passíveis de produzirem um fascismo à brasileira, como aliás tivemos disso um arremedo nos anos trinta com o movimento integralista? Acredito que não. Afinal, concordando com Luciano Oliveira, que tem escrito sobre esta e questões conexas observáveis na nossa sociedade, estamos longe do modelo de sociedade disciplinar proposto por Michel Foucault na sua obra. O nazismo foi um movimento baseado em formas de organização militarista somente concebíveis numa sociedade disciplinar. Nossas formas supremas de mobilização coletiva, o futebol e o carnaval, constituem a evidência de que tendemos mais para a anomia, como diria Durkheim, do que para a arregimentação disciplinar das massas. Eis um caso, talvez o único, em que nossa incurável bagunça é social e politicamente saudável.

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2010-11-04T21:49:00.002-02:00

Declaração do DCE da Unesp – Fatec
sobre o “rodeio das gordas”
no InterUnesp

É com profunda indignação que nós do Diretório Central dos Estudantes manifestamos nosso repúdio aos estudantes idealizadores e executores da violência contras as mulheres intitulada "rodeio das gordas".

O feito animalesco destes execráveis estudantes expressa dentro da Universidade os valores mais conservadores da sociedade: o racismo, a opressão às mulheres, a homofobia etc. A estigmatização do corpo das mulheres por um padrão de beleza é uma das facetas mais nefastas desta sociedade. A naturalização - por parte da sociedade, através da mídia, de seus intelectuais e das próprias instituições que dissimulam a violência e opressão, - de um padrão estético e de uma imagem abusiva e de consumo das mulheres enquanto objetos de desfrute dos homens criam uma criminosa legitimidade para barbaridades como esta ou como a agressão a um casal de homossexuais numa festa organizada pela Atlética (mais uma vez as Atléticas!) da ECA-USP (realizada no último dia 23 de outubro). Elemento fundamental, ignorado, desse padrão estético é a perpetuação quase inconsciente do racismo já que a medida da beleza, do correto, da normalidade é a pele branca, os cabelos lisos e o corpo esbelto e jovem.

O meio universitário deveria irradiar os valores mais avançados da sociedade. Isso se fez real em vários momentos históricos, com as/os estudantes cumprindo um papel questionador e transformador, se lançando contra arcaicos preconceitos como fez a juventude nos anos 60. Este legado é o que deveria seguir primando, pois sem ele a universidade perde grande parte de seu sentido: a de pensar criticamente, buscando as potencialidades ainda não realizadas de si mesma, e da sociedade de conjunto. Mas não o faz. Casos como este mostram que por trás do discurso da “excelência” das universidades estaduais paulistas, está não somente um projeto excludente com o filtro do vestibular, mas essencialmente conservador em seu conteúdo ideológico, como podemos ver na ausência da discussão sobre racismo, machismo e homofobia nos currículos e a falta de incentivo às pesquisas e extensão que trabalham com esses temas.

O Interunesp foi criado pela reitoria com o nome "Jogos Unesp", em meados dos anos 70, em meio à ditadura militar, quando as/os estudantes cumpriam importante papel se organizando para combatê-la. Atualmente, este evento é organizado por “estudantes” associados nas Atléticas, recebe patrocínio de empresas como a Skol, Freegels e a Kraft Foods, movimenta milhões de reais e é o meio pelo qual alguns “estudantes” enriquecem fazendo carreira como promotores de eventos, além de desfrutar do respaldo da reitoria que, por exemplo, até no calendário oficial da UNESP, prevê e divulga anualmente o InterUnesp. Também é importante destacar que esta burocracia acadêmica, que sempre nega qualquer auxílio de transporte para as atividades do movimento estudantil, financiou com a maior tranqüilidade vários ônibus para o Interunesp neste ano, mesmo tendo conhecimento que este espaço legitima a opressão.

Um pouco de experiência com as diretorias e reitoria da UNESP ajuda a perceber o distanciamento entre seus propósitos e os interesses da humanidade. Os casos de violência contra a mulher são abafados pela reitoria e direções locais em cada oportunidade que assim conseguem fazer. São vários os casos de assédios, e até de estupro, dentro dos campi, que os administradores da Universidade omitem da própria comunidade acadêmica (funcionários, estudantes e professores). Além disso, a saída que apontam as “comissões de investigação” da burocracia acadêmica, escolhidas a dedo por diretores e reitoria, já chegaram ao ponto de punir as vítimas e deixar livre o agressor - como foi o caso ocorrido na UNESP de Rio Claro, em 2008, quando uma comissão criada pela diretoria do campus não puniu um aluno estuprador, mas sim sua vítima acusando-a de ter incentivado à ação. A postura que tomam estes administradores não pode ser compreendida sem destacarmos o poder que concentram a partir de uma arcaica e antidemocrática estrutura de poder onde são eleitos por uma pequena casta de professores (além dos reitores, que são escolhidos diretamente pelo governo do estado, como foi o caso de João Grandino Rodas, USP), ficando praticamente ausente a opinião de funcionários e estudantes.

Em declaração pública sobre o caso, no site da Unesp, a reitoria deixa um posicionamento vago quanto à punição aos estudantes que cometeram a violência, tentando se isentar em base nos procedimentos burocráticos aos quais o caso deve ser submetido. O que não vem a público é que a punição aos movimentos em defesa da universidade pública e democrática é imediata e voraz. Por exemplo, neste momento 14 estudantes da moradia da USP estão ameaçados de expulsão, sindicalistas do SINTUSP são demitidos e processados e estudantes da UNESP de Bauru também estão sendo perseguidos. Ou seja, dois pesos, duas medidas. De um lado a conivência e do outro a repressão aberta contra aqueles que resistem aos ataques à universidade pública e contra as políticas de maior elitização.

Também não faltam medidas para tentar impedir a realização de verdadeiras festas dos estudantes isentas das brutalidades que aconteceram no Interunesp, como se expressa atualmente na ofensiva contra o "IFCHSTOCK", na Unicamp, com ações judiciais, sindicâncias e invasão da PM no campus para apreender toda a infra-estrutura da festa. É importante ressaltar que o "IFCHSTOCK" ocorre há anos naquela Universidade, sendo um importante espaço de manifestação cultural e apropriação do espaço público para fins públicos. Diante disso, as/os estudantes do Instituto de Economia da UNICAMP, onde está ocorrendo a repressão, decidiram fazer uma heróica greve, que se enfrenta com esse cerceamento das liberdades estudantis sobre a universidade e também contra a repressão que a reitoria quer impor aos estudantes.

O que entrelaça esta fina rede de interesses é o projeto de privatização para a educação, baseado na exclusão da maior parcela da juventude, principalmente da juventude trabalhadora e pobre, mas também na aplicação de um ensino restritivo, meramente voltado à qualificação de mão-de-obra, em detrimento do caráter reflexivo do conhecimento que se espera dessas instituições e que é materializado por esses mesmos senhores que não punem atrocidades como esta, pois são coniventes com a visão de mundo e projeto de sociedade ali representados.

A reflexão sobre este caso específico, ou seja, sobre a opressão e violência às mulheres nas universidades deve se dar à luz do contexto das eleições nacionais, onde vimos os candidatos a presidência desse país disputarem o posto de quem é o maior inimigo dos direitos democráticos das mulheres e dos homossexuais, numa enorme campanha contra o direito ao aborto e ao casamento igualitário, contribuindo para uma cultura e ambiente hostis aos direitos democráticos das mulheres, dos negros e homossexuais, enfraquecendo os que lutam por eles e fortalecendo os que reproduzem essa moral opressora, favorecendo práticas como o “rodeio de gordas”.

Defendemos uma sociedade livre, onde as pessoas possam ser gordas ou magras, hetero ou homossexuais etc., sem serem punidas, agredidas e humilhadas por isso. Defendemos o fim de toda e qualquer forma de opressão às mulheres e também uma universidade realmente pública, que seja um centro difusor de conhecimento e uma ideologia não opressora, e que toda a população tenha acesso. Não somente condenamos, mas combatemos práticas como o "rodeio de gordas", que na verdade estão presentes nas universidades desde os trotes aplicados por veteranos contra ingressantes, quando também não são poucos os casos de agressão, humilhação, assédio, machismo etc. Louvamos a iniciativa das estudantes de Assis que denunciaram o caso e que impulsionaram o primeiro ato em resposta a essa atrocidade, realizado semana passada, no campus de Assis e nos somamos aos gritos dessas/es colegas, assim como de todas/os em geral que estão indignados com esse fato, de “Abaixo a ditadura da beleza!”

Como resposta a essas agressões e perseguições não podemos ter nenhum sopro de confiança nas diretorias e reitoria. Para a superação definitiva dessas práticas e a punição aos agressores, é necessária uma ampla campanha, com todos os instrumentos de divulgação, como cartazes, notas públicas, vídeos, manifestação de intelectuais, abaixo-assinados, atos, debates, que desde já nós do DCE nos propomos a organizar, impulsionando uma ampla campanha, além da criação de uma comissão de investigação que seja independente da reitoria e direções locais e que se enfrente diretamente com as intenções apaziguadoras dos administradores e, quem os escolheu, o governo do estado. Colocamos-nos a construí-la efetivamente, somando forças com todos os setores progressivos da sociedade

É nesse sentido que chamamos todas/os as/os estudantes, funcionários, professores, bem como todas as organizações políticas, grupos feministas, de direitos humanos, sindicatos e movimentos sociais em geral, para que juntos possamos construir um amplo ato no próximo dia 17, em frente a reitoria da UNESP no Anhangabaú em São Paulo , declaradamente contra a opressão e a violência às mulheres, mas também em defesa da permanência estudantil em nossas faculdades que já vem sendo motivo de mobilização e que levou a realização de um importante ato no último dia 15 de outubro com mais de 100 estudantes. Também queremos levantar a demanda de expansão de vagas com verbas para que seja com qualidade, assim como nos manifestarmos contra a reforma universitária tucana que vem sendo implementada nas estaduais paulistas, com João Grandino Rodas assumindo a dianteira destes ataques. Apoiamos e nos somamos a todas as iniciativas e atos locais organizados em repúdio a essa violência como o ato que ocorrerá do dia 04/11 no campus da UNESP de ASSIS.

Também vamos organizar um grande Festival INTERUNESP Contra a Opressão nos dias 26 e 27 de novembro que possa ser um espaço de confraternização em contraponto às festas que legitimam as opressões. Chamamos a todos as/os estudantes a se integrar de todas essas ações contra a opressão a começar realizando assembléias de base até o dia 11/10 para organizar atos, atividades e debates locais e a participação nestas atividades gerais.

Para darmos um basta à opressão e violência às mulheres, todos ao ato na reitoria da UNESP no próximo dia 17!

Organizar um grande Festival INTERUNESP contra as opressões!

Pela punição aos agressores que praticaram o “rodeio de gordas” no INTERUNESP!

Nenhuma confiança nas diretorias e reitoria que abafam os casos de violência às mulheres e não punem os agressores, Comissão Independente de Investigação para apurar o caso!

Por uma ampla campanha em todas as Universidades contra o machismo e a opressão!

Diretório Central dos Estudantes da UNESP/Fatec – Helenira Rezende www.dceunespfatec.blogspot.com

Entre em contato com o DCE para organizarmos juntas/os essa luta: dceunespfatec@gmail.com

Cine Campus: O Grande Ditador

2010-11-01T09:45:00.003-02:00

O Grande Ditador

Por Rodrigo Cunha

"Apenas um gênio consegue fazer uma sátira em plena guerra, sem ofender e com cenas realmente engraçadas no conteúdo."

Charles Chaplin é um gênio. Isso é um fato que não há como discutir, que foi construído ao longo dos anos, conforme seus filmes iam sendo produzidos. É praticamente impossível que, uma pessoa que assista TV ou veja filmes, não o conheça, mesmo que indiretamente. Chaves, por exemplo, a famosa série de TV da vila e de pessoas atrapalhadas, é inteiramente baseada nas obras de Chaplin, inclusive com algumas cenas e falas retiradas de seus filmes. Como um bom amante de Cinema, não poderia deixar de comentar uma de suas maiores obras, talvez a que eu mais goste, talvez a mais crítica, com certeza a mais política de todas: O Grande Ditador.

O filme foi o primeiro a ter uma cópia restaurada e redistribuída autorizada pela família do ator, escritor e diretor (sim, Chaplin era isso tudo em seus filmes, e sempre brilhante), o que nos faz duvidar da legalidade e qualidade desses DVD´s que rondam as bancas brasileiras (se bem que eles ajudam, e muito, as pessoas a conhecerem as obras de Chaplin). Apesar de ter sido produzido em 1940 (13 anos após a estréia do som no Cinema), este foi apenas o primeiro filme totalmente falado de Carlitos. Antes disso, ele havia aberto sua boca (e mesmo assim não para falar) somente em Tempos Modernos (outro clássico), na cena em que ele canta de improviso para um bar lotado. Chaplin sempre acreditou que o som tiraria o expressionismo, o que, hoje em dia, realmente aconteceu.

Demorou, mas ele abriu a boca. A história aqui é em meio a Segunda Grande Guerra Mundial, onde os judeus estavam sendo esmagados pelo preconceito alemão. Chaplin, genialmente, interpreta os dois protagonistas da história: o ditador Adenoid Hynkel (em clara referência à Hitler) e o barbeiro Judeu. Irônico e atrevido, logo no início da projeção lemos uma mensagem que diz que qualquer semelhança dos personagens com a realidade é mera coincidência. Só que essa ousadia lhe rendeu alguns efeitos colaterais, como ter sido expulso dos EUA. Tudo devido a esta sátira em meio ao apogeu do criticado, coragem sem igual na época.

Durante suas duas horas e cinco minutos de produção (sem nunca ficar cansativo ou chato!), o filme é inteiramente feito de cenas clássicas do Cinema, sendo que a maior delas, sem sombra de dúvidas, é a que Hynkel brinca com o globo do mundo. Uma cena sempre imitada, jamais igualada. Seus movimentos, o significado, ela é inteiramente encantadora. Outra cena extremamente engraçada é o discurso alemão, sendo que nenhuma palavra sequer pode ser entendida. O esbravejamento, a calma, tudo é perfeitamente compreensível somente pelos movimentos.

O ditador alemão também divide hilárias situações com o outro ditador, Napoloni (satirizando Mussolini), onde os dois ficam em uma constante disputa de ego. A cena da barbearia, onde os dois ficam subindo as cadeiras para que o outro olhe para cima, e a briga de comida são críticas fortíssimas empregadas de maneira inteligente e extremamente divertidas. Este também foi o último filme de Chaplin com sua ex-mulher Goddard, assim como o último que teve presença do bigodinho.

O filme foi indicado para o Oscar nas categorias de melhor filme, ator, roteiro, ator coadjuvante e trilha sonora. Isso é, no mínimo, irônico. Expulso e consagrado, no mesmo lugar, na mesma época. Aqui ele realmente tinha algo a dizer com suas palavras. O discurso final, englobando tudo o que havia criticado durante o filme, é emocionante. A cegueira das pessoas também é criticada nessa cena. Como todas aquelas pessoas, que se dizem fiel, conseguiram confundir seu maior ídolo com um simples judeu com suas roupas? E as condecorações? Será que os militares não teriam percebido?

O filme é também menos engraçado do que os tradicionais, reservando-se mais em contar a história em certos momentos. Apesar desse fato e das cenas já comentadas, algumas outras não são menos engraçadas: o vôo de cabeça para baixo do avião, o judeu tentando controlar o canhão, o judeu fazendo a barba ao som de uma famosa ópera. Enfim, o filme é Chaplin, apenas com uma história mais séria para se contar.

O Grande Ditador é um dos melhores filmes que eu já vi, sem sombra de dúvidas. Esteja preparado para todas aquelas piadas ‘bobas’ que você está acostumado principalmente se assistir Chaves, pois foi tudo originado aqui. Só que, ao mesmo tempo, há excelentes sacadas e um tom extremamente irônico a diversos acontecimentos sérios satirizados. Indispensável, aconselho até aqueles que não gostam de filmes antigos por seu charme e poder de encantar a todos que estiverem assistindo.

Fonte: http://www.cineplayers.com/critica.php?id=254 Trailer

Trailer

O último discurso

de “O Grande Ditador”

“ Sinto muito, mas não pretendo ser um imperador. Não é esse o meu ofício. Não pretendo governar ou conquistar quem quer que seja. Gostaria de ajudar – se possível – judeus, o gentio... negros... brancos. Todos nós desejamos ajudar uns aos outros. Os seres humanos são assim. Desejamos viver para a felicidade do próximo – não para o seu infortúnio. Por que havemos de odiar e desprezar uns aos outros? Neste mundo há espaço para todos. A terra, que é boa e rica, pode prover a todas as nossas necessidades.

O caminho da vida pode ser o da liberdade e da beleza, porém nos extraviamos. A cobiça envenenou a alma dos homens... levantou no mundo as muralhas do ódio... e tem-nos feito marchar a passo de ganso para a miséria e os morticínios. Criamos a época da velocidade, mas nos sentimos enclausurados dentro dela. A máquina, que produz abundância, tem-nos deixado em penúria. Nossos conhecimentos fizeram-nos céticos; nossa inteligência, empedernidos e cruéis. Pensamos em demasia e sentimos bem pouco. Mais do que de máquinas, precisamos de humanidade. Mais do que de inteligência, precisamos de afeição e doçura. Sem essas virtudes, a vida será de violência e tudo será perdido.

A aviação e o rádio aproximaram-nos muito mais. A própria natureza dessas coisas é um apelo eloqüente à bondade do homem... um apelo à fraternidade universal... à união de todos nós. Neste mesmo instante a minha voz chega a milhares de pessoas pelo mundo afora... milhões de desesperados, homens, mulheres, criancinhas... vítimas de um sistema que tortura seres humanos e encarcera inocentes. Aos que me podem ouvir eu digo: “Não desespereis! A desgraça que tem caído sobre nós não é mais do que o produto da cobiça em agonia... da amargura de homens que temem o avanço do progresso humano.

Os homens que odeiam desaparecerão, os ditadores sucumbem e o poder que do povo arrebataram há de retornar ao povo. E assim, enquanto morrem homens, a liberdade nunca perecerá.Soldados! Não vos entregueis a esses brutais... que vos desprezam... que vos escravizam... que arregimentam as vossas vidas... que ditam os vossos atos, as vossas idéias e os vossos sentimentos! Que vos fazem marchar no mesmo passo, que vos submetem a uma alimentação regrada, que vos tratam como gado humano e que vos utilizam como bucha de canhão! Não sois máquina! Homens é que sois! E com o amor da humanidade em vossas almas! Não odieis! Só odeiam os que não se fazem amar... os que não se fazem amar e os inumanos!

Soldados! Não batalheis pela escravidão! Lutai pela liberdade! No décimo sétimo capítulo de São Lucas está escrito que o Reino de Deus está dentro do homem – não de um só homem ou grupo de homens, ms dos homens todos! Está em vós! Vós, o povo, tendes o poder – o poder de criar máquinas. O poder de criar felicidade! Vós, o povo, tendes o poder de tornar esta vida livre e bela... de faze-la uma aventura maravilhosa. Portanto – em nome da democracia – usemos desse poder, unamo-nos todos nós. Lutemos por um mundo novo... um mundo bom que a todos assegure o ensejo de trabalho, que dê futuro à mocidade e segurança à velhice.É pela promessa de tais coisas que desalmados têm subido ao poder.

Mas, só mistificam! Não cumprem o que prometem. Jamais o cumprirão! Os ditadores liberam-se, porém escravizam o povo. Lutemos agora para libertar o mundo, abater as fronteiras nacionais, dar fim à ganância, ao ódio e à prepotência. Lutemos por um mundo de razão, um mundo em que a ciência e o progresso conduzam à ventura de todos nós. Soldados, em nome da democracia, unamo-nos!Hannah, estás me ouvindo? Onde te encontrares, levanta os olhos! Vês, Hannah? O sol vai rompendo as nuvens que se dispersam! Estamos saindo da treva para a luz! Vamos entrando num mundo novo – um mundo melhor, em que os homens estarão acima da cobiça, do ódio e da brutalidade. Ergue os olhos, Hannah! A alma do homem ganhou asas e afinal começa a voar. Voa para o arco-íris, para a luz da esperança. Ergue os olhos, Hannah! Ergue os olhos!"

Fonte : http://abismopoeticoecia.blogspot.com/2009_03_01_archive.html

Evolução da Música

2010-10-23T09:15:00.002-02:00

Excursão

2010-10-23T09:12:00.003-02:00

Palestra: Introdução ao Roteiro de Ficção

2010-10-23T09:08:00.003-02:00

Palestra: Introdução ao Roteiro de Ficção

Introdução ao Roteiro de Ficção
Data: 25/10/2010 (segunda-feira)
Horário: 19h às 23h
Local: Anfi A

As inscrições devem ser feitas através do envio de e-mail com o título da oficina para cacel2010@gmail.com, informando o Nome Completo e o Curso do interessado (funcionários e docentes também podem participar).

Todos os participantes receberão certificado.

*Plínio Moreira é funcionário da Saepe-FCL, bacharel em Imagem e Som (UFSCar), já frequentou palestras sobre roteiro no Brasil e no Exterior e também é muito simpático.

Cine Campus: Arquitetura da Destruição

2010-10-23T08:59:00.005-02:00

Cine Campus: Cinema, Debate, Café

Este filme é considerado um dos melhores estudos sobre o Nazismo. Lembra que chamar Hitler de artista medíocre não elimina os estragos causados por sua estratégia de conquista universal. O arquiteto da destruição tinha grandes pretensões e queria dar uma dimensão absoluta à sua megalomania. O nazismo tinha como princípio fundamental embelezar o mundo, nem que para isso tivesse que destruí-lo.

Esse documentário traça a trajetória de Hitler e de alguns de seus mais próximos colaboradores, com a arte. Muito antes de chegar ao poder, o líder nazista sonhou em tornar-se artista, tendo produzido várias gravuras, que posteriormente foram utilizadas como modelo em obras arquitetônicas. Destaca ainda a importância da arte na propaganda, que por sua vez teve papel fundamental no desenvolvimento do nazismo em toda a Alemanha.

Numa época de grave crise, no período entre guerras, a arte moderna foi apresentada como degenerada, relacionada ao bolchevismo e aos judeus. Para os nazistas, as obras modernas distorciam o valor humano e na verdade representavam as deformações genéticas existentes na sociedade; em oposição defende o ideal de beleza como sinônimo de saúde e consequentemente com a eliminação de todas as doenças que pudessem deformar o "corpo" do povo. Nasce assim uma "medicina nazista" que valoriza o corpo, o belo e estará disposta a erradicar os males que possam afetar essa obra.

Do ponto de vista social, o embelezamento é vinculado diretamente à limpeza. A limpeza do local de trabalho e a limpeza do próprio trabalhador. Os nazistas consideram que ao garantir ao trabalhador a saúde e a limpeza, libertam-no de sua condição proletária e, garantem-lhe dignidade de burguês, eliminando portanto a luta de classes.

A Guerra é vista como uma arte. Com cenas de época, oficiais, mostra-nos a visita de Hitler à Paris logo após a ocupação: O Fuher chega de avião durante a madrugada, visita a Ópera, o Arco do Triunfo, alguns prédios imponentes. Volta para a Alemanha no mesmo dia. O domínio sobre a França, Bélgica, Holanda possibilitaram aos nazistas a pilhagem de obras de arte. Em 1941 a conquista da Grécia; nova viagem de Hitler, que tinha na beleza da antigüidade um de seus modelos.

O filme dedica ainda um bom tempo à perseguição e eliminação dos judeus como parte do processo de purificação, não só da raça, mas de toda a cultura, mostrando o processo de extermínio. É interessante perceber que, durante toda a guerra, mesmo no período final com a proximidade da derrota, os projetos arquitetônicos do III Reich tiveram andamento, pretendendo construir a nova Berlim, capital do mundo.

Fonte: http://www.historianet.com.br/conteudo/default.aspx?codigo=102

Trailer

Cine Campus: Semana de Ciência e Tecnologia

2010-10-17T15:41:00.003-02:00

Cine Campus: Semana de Ciência e Tecnologia

Metrópolis

Por Deivid Cardoso

Obra-prima à frente do seu tempo. Continua atual. Muitas décadas antes dos irmãos Wachowski nos presentearem com a baboseira pseudo-filosófica de Matrix Reloaded e Matrix Revolutions (não citarei o original de 1999, pois ainda o acho um marco na história do cinema, embora a premissa não tenha sido bem aproveitada), um verdadeiro gênio do cinema - Fritz Lang (autor do também excepcional M - O Vampiro de Dusseldorf), já nos brindava com a sua visão bem mais realista do que poderia vir a ser o futuro da humanidade.

Sempre reverenciado e imitado por vários cineastas, inclusive os mais importantes da História, Lang traçou um perfil de como ele imaginava um futuro (baseada na novela escrita por Thea von Harbou, que também escreveu o roteiro em parceria com Lang) onde haveria uma classe dominante (os ricos) e uma classe dominada (os operários), que viviam em suas cidades no subsolo, onde trabalhavam diuturnamente, em períodos divididos de 10 horas cada, para não deixarem que a cidade onde os mais ricos moravam parasse. Ou seja: estamos em um futuro distante e o mundo está sob o comando dos poderosos, que isolaram os mais pobres no subsolo como se fossem seus escravos, para que trabalhassem em prol dos mesmos.

Comandados por Freder Fredersen (Gustav Fröhlich), os operários são obrigados a trabalharem sem parar para que a cidade não pare. Um dia, após achar planos de uma possível rebelião nas roupas de um operário que havia morrido em um acidente, o filho de Fredersen, Johhan Fredersen (Alfred Abel), decidiu descer até a cidade dos operários, lá vendo quão desumano era o tratamento que eles sofriam - cena memorável a que ele fica exausto tendo de trabalhar em uma máquina com ponteiros, não vendo a hora em que as suas 10 horas de turno terminassem.

E é naquele local horroroso que ele encontra a bela Maria, que em uma das reuniões à qual ele comparece como se fosse um trabalhador comum, vê que os planos da rebelião estão mesmo sendo levados adiante. Mas, ao contrário de que pensavam, eles querem que tudo seja feito na paz, e esperam que um mediador os ajude a fazer isso. Mas os planos deles não dão muito certo, pois Freder Frederson pede ajuda a um cientista de sua confiança (interpretado por Rudolf Klein-Rogge), que está trabalhando na construção de um robô que será capaz de substituir os humanos no trabalho. E ele seqüestra Maria, substituindo-a pelo robô, infiltrando-o no meio dos operários para tentar causar a discórdia e a própria destruição dos mesmos, mostrando assim que estes não merecem o respeito que exigem.

Assim como na saga futurista dos irmãos Wachowski, os operários são levados a acreditar que um dia virá alguém que os libertará de todo esse sofrimento e angústia. No caso, O Mediador. Mas aqui a espera deles têm algum fundamento, pois liderados por Maria (interpretada por Brigitte Helm, que também faz o papel do robô que toma o lugar dela), eles acreditam que "não pode haver entendimento entre a mão e o cérebro se o coração não agir como mediador" (sentença hoje célebre no mundo do cinema). E é por esse coração que todos aguardam. Como podemos ver, em sua visão do futuro, o diretor não estava tão errado, pois hoje em dia já acontece algo parecido: os trabalhadores têm que fazer com que o país não pare, enquanto que a classe mais poderosa somente desfruta de todas as regalias às custas de quem trabalha incessantemente.

Com uma bela história e um jeito único de contá-la, Fritz Lang nos mostra que não é preciso encher um filme de efeitos especiais (embora estes também foram necessários para criar um visual revolucionário para a época) e lances futuristas que sabemos ser difícil de que venham a acontecer para se fazer um bom filme de ficção. Imitado por várias gerações posteriores, Lang tinha uma particularidade que anos após veio a ser copiada pelo maior mestre do suspense. Após ter de ensinar a um ator como deveria fazer com a mão em um close, o diretor acabou gostando do take e utilizando-o no filme original. A partir daí, ele optou por colocar em todos os seus filmes um close de sua própria mão. Alfred Hitchcock o imitou aparecendo em todas as suas películas. E hoje em dia M. Night Shyamalan faz a mesma coisa. O que é bom tem de ser copiado mesmo.

O filme original, feito em 1927 (portanto, mudo), tinha mais de cinco horas de duração. Mas com o passar dos anos, ele foi sendo enxuto, até que chegasse hoje em dia com a sua versão de um pouco mais de duas horas de projeção. Com tantos filmes ruins sendo refilmados, os executivos de Hollywood deveriam tentar recontar essa história, com os recursos que dispõem hoje. Se derem sorte de pegar um bom diretor, teremos uma ótima história nas telas. Se você se acha entendedor de filmes, esse é indispensável

Fonte:http://www.cineplayers.com/critica.php?id=168

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O Planeta dos Macacos

por Kollision

Em qualquer lista hipotética de grandes fantasias da história do cinema, O Planeta dos Macacos merece figurar com certeza em posição de destaque. Ainda numa época em que a ameaça da aniquilação nuclear era uma realidade não muito distante graças à paranóia da Guerra Fria, a idéia de apresentar uma sociedade em que os seres humanos não estavam no topo da cadeia alimentar, num filme com tamanha escala de produção e considerável esmero técnico, era uma iniciativa que nunca havia sido tomada antes. O inevitável sucesso da obra, baseada no livro de Pierre Boulle e co-escrita por Rod Serling, a mente por trás do seriado Além da Imaginação, viria a gerar quatro continuações, compondo uma das primeiras grandes sagas de ficção científica da sétima arte.

600 anos no nosso futuro, o astronauta Taylor (Charlton Heston) grava o último registro de bordo em sua nave antes de entrar em animação suspensa com mais três companheiros. O destino de sua expedição, no entanto, só é alcançado 2000 anos no futuro, quando a nave sofre uma pane e aterrisa numa área alagada de um planeta estranho. Uma de suas colegas astronautas já está morta, e ele e os outros dois são obrigados a sobreviver num ambiente árido e inóspito. O que eles logo descobrem é que o planeta é habitado e governado por uma raça de símios evoluídos que falam inglês e caçam os humanos (que não falam) como animais selvagens. Capturado e impedido de falar graças a um ferimento na garganta, Taylor se torna o objeto de estudo da dra. Zira (Kim Hunter) e do arqueólogo Cornelius (Roddy McDowall), cujas pesquisas avançadas em psicologia humana são monitoradas de perto pelo implacável chefe da tribo macaco, o dr. Zaius (Maurice Evans).

O escapismo orquestrado pelo diretor Franklin Schaffner é sublinhado por um design de produção que aproveita ao máximo as paisagens naturais utilizadas no início e no final do filme, assim como a excepcional trilha sonora carregada de suspense de Jerry Goldsmith. Como aventura de ficção científica, este filme é páreo duro para qualquer blockbuster de ação de qualquer época. A cena do "estouro da boiada" e da caçada aos humanos fugitivos na mata, por exemplo, ainda impressiona pela escala e pelo tom de desconforto. Há uma combinação acertada de perseguições e suspense e, o que é mais marcante, uma discussão extremamente apropriada sobre evolução, religião, ciência, autoritarismo e preconceito, refletidos na sociedade símia com um espelhamento nada menos que incômodo em relação à sociedade humana.

Impedindo que o filme fosse rotulado de mais uma ficção classe B, a presença de Charlton Heston no elenco trouxe uma credibilidade indispensável ao longa, já que os demais nomes do elenco passam o tempo todo debaixo de pesadas máscaras e roupas de macaco. Outra característica bacana do filme é seu senso de humor, às vezes completamente não-intencional, como nas duas cenas em que Roddy McDowall e Kim Hunter trocam beijinhos debaixo da maquiagem de macaco. Para a época, o trabalho de caracterização dos atores em macacos foi considerado vanguarda absoluta e foi agraciado com um Oscar especial, uma vez que não havia categoria estabelecida para a técnica de maquiagem.

Este filme foi refilmado e atualizado por Tim Burton em 2001. Embora as duas versões sejam ótimas em seus próprios termos, O Planeta dos Macacos original é o grande clássico que marcou o gênero. A continuação da história está em De Volta ao Planeta dos Macacos (Ted Post, 1970). Os extras da edição simples do DVD da Fox se resumem a uma galeria de fotos e desenhos de produção e aos trailers dos cinco filmes da série.

Fonte: http://www.kollision.biz/movies/mov_file/mov_planetoftheapes1968.htm

Trailer

1ª Mostra Audiovisual do Campus

2010-10-04T18:51:00.002-03:00

1ª Mostra Audiovisual do Campus

Os membros do projeto de extensão Cine Campus convidam todos os alunos, professores e funcionários da UNESP- FCLAR a participarem da 1a Mostra Audiovisual do Campus.

O período de inscrição será de 27/09/2010 a 01/11/2010.

Dúvidas, cine_campusar@yahoo.com.br

Para participar, é preciso entregar a ficha de inscrição preenchida e o filme/ média/curta ou minuto (gravado em DVD ou CD) para exibição.

1 - Inscrições:

1.1 – A Primeira Mostra Audiovisual tem como objetivo divulgar a produção audiovisual de indivíduos que estejam ligados a UNESP – FCLAr. Sendo assim, a seleção será feita com o único critério de que funcionários, alunos e professores tenham exercido qualquer tipo de função dentro de uma produção audiovisual.

1.2 A Mostra não é um concurso, portanto, toda produção enviada será exibida (desde que esteja de acordo com o item 1.1), já que o intuito da Mostra é a divulgação dos trabalhos da comunidade da FCLAr.

1.3 - Será aceita apenas uma produção audiovisual por inscrição.

1.4 – A ficha de inscrição está disponível no site: www.cinecampusararaquara.blogspot.com .

1.5 - As inscrições serão efetuadas pessoalmente e será necessário levar o DVD (ou CD) com sua produção para o Cine Campus toda terça-feira e quinta-feira (de acordo com o período de inscrição) no Anf. B das 16h00 às 18h30.

1.6 - O vídeo deve ser gravado em CD ou DVD, no formato avi, que deverá ser entregue juntamente com a ficha de inscrição devidamente preenchida.

2 – Exibição:

2.1 - A exibição será feita a partir das 14h00, no Anfiteatro B, nos dias 16 e 18 de novembro de 2010.

2.2 - Posteriormente os vídeos serão compilados, gravados em DVD e entregues à biblioteca para a posteridade. Para isso o participante, que estiver de acordo, deve preencher o termo de direitos autorais.

Para maiores informações acesse o Blog do Projeto: www.cinecampusararaquara.blogspot.com

Atenciosamente,
CINE CAMPUS

A ficha de inscrição deve ser copiada e colada no word, preenchida, impressa e entregue conforme mencionado acima:

1ª Mostra Audiovisual do Campus
Ficha de Inscrição

Nome completo:_________________________________________________
Idade:______________
Sexo: Feminino ( ) Masculino ( )
Função exercida na obra audiovisual: ________________________________
Produção audiovisual:____________________________________________
Longa ( ) Média ( ) Curta ( ) Minuto ( )
Tempo de duração: ______________________________________________
Título da produção:______________________________________________
Ficha técnica com sinopse:_______________________________________

É aluno da FCL? Se sim, qual curso? ________________________________
É funcionário da FCL? Se sim, o que faz?____________________________
É professor da FCL? Se sim, qual área? Qual Departamento?_____________
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Pelo presente instrumento, ______________________________________________, abaixo firmado e identificado, autoriza, graciosamente, o CINE CAMPUS, projeto de extensão sem fins lucrativos da Unesp de Araraquara, a realizar réplica, exibição e divulgação da produção audiovisual ___________________________ a ser veiculada, sem objetivo comercial, na 1ª Mostra Audiovisual do Campus e, posteriormente, em compilação das exibições, destinada ao arquivo da Biblioteca da FCLAr. Esta autorização inclui portanto a exibição e documentação do evento, conforme expresso na Lei 9.610/98 (Lei de Direitos Autorais).

Araraquara, _____ de ________________ 2010.

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End.: _____________________________________________
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2010-09-18T14:07:00.000-03:00

Cine Campus: Ciclo de filme comentados Ingmar Bergman

2010-09-18T13:45:00.004-03:00

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O Sétimo Selo de Bergman

Por Breno Rodrigues de Paula

Na maioria das vezes, o Artista conjuga o seu nome junto com a sua obra, de modo que ele torna-se sinônimo de sua criação. É o que acontece com os cineastas sueco Ingmar Bergman. Não conseguimos dissociar filmes tais como: “Monika e o desejo” (Sommaren med Monika) – 1952, “O sétimo selo” (Det sjunde inseglet) – 1956, “Morangos silvestres” (Smultronstallet) – 1957, “Gritos e sussurros” (Viskningar och rop) – 1972, “Sonata de outono” (Höstsonaten) do nome Bergman. Bergman foi um gênio que se dedicou à produzir belos filmes, como um dos mais importante, não só de Bergman, mas também da Sétima Arte: “O Sétimo Selo”.

Poucas obras artísticas, criada pelo homem, na sua eterna e incessante busca pelo conhecimento do mundo e de si próprio, retratam de forma tão poética e profunda os anseios do homem na busca da sua constituição metafísica como o filme de Bergman “O sétimo selo” (Det sjunde inseglet) – 1956. No filme, após dez anos, um cavaleiro Antonius Block (Max Von Sydow) retorna das Cruzadas e encontra o seu país (Suécia) devastado pela peste negra. Sua fé em Deus é sensivelmente abalada e enquanto reflete sobre o significado da vida, a Morte (Bengt Ekerot) surge à sua frente querendo levá-lo, pois chegou sua hora. Objetivando ganhar tempo, convida-a para um jogo de xadrez que decidirá se ele parte com a Morte ou não. Tudo depende da sua vitória no jogo e a Morte concorda com o desafio, já que não perde nunca. Aqui a morte é o cerne da questão levantada por Bergman. A principal questão metafísica humana: seria a morte a principal manifestação empírica da realidade ou a mera condição que o homem está sujeito aos caprichos divinos de Deus, do Diabo ou da Morte. Estas questões, inserem-se, no filme, numa conjuntura caótica e angustiante para o cavaleiro e seu escudeiro.

A cena do jogo de xadrez com a Morte, mostra-se de beleza estética cinematográfica única na sétima arte. Após acordar na praia, o cavaleiro lava o seu rosto e reza baixinho, ao virar a sua face para trás, ele defronta-se com a figura da Morte. Assustado e com medo, o cavaleiro pergunta se a Morte gostaria de jogar xadrez, já que lerá que todos jogam xadrez, inclusive a Morte. A morte acha que isto é uma artimanha do cavaleiro para que não seja “levado”, mas concorda em iniciar a partida. O interessante que a Morte não é retratada como a irmã mais velha dos “perpétuos” ou como uma entidade monstruosa, na acepção física, ela se aprece com um homem e se veste como um monge. Nos intervalos dos lances, o cavaleiro e seu escudeiro andam pela vila e presenciam diversos acontecimentos como a morte de uma feiticeira, que supostamente havia mantido relações sexuais com o demônio, na fogueira. Conhecem uma trupe de artista e conhece Mia e Jof, que lhe dão morangos e leite, como num ritual semelhante à “Santa Ceia”.

Prossegue a partida de xadrez e o cavaleiro leva xeque – mate da Morte, que o informa que ele será levado na manhã seguinte. A Morte iniciou o jogo sabendo que ninguém pode vencê-la. Mesmo com táticas e estratégias do xadrez, o cavaleiro não pode vencer a morte. Todos dançam, ao final, a sua música, todos de mãos dadas. Todos sobem a colina ritmicamente fazem passos coordenados, cíclicos. Mas o silêncio da abertura do sétimo é quebrado pela dança da morte, que com a sua música, assim como o Flautista de Hamelin, leva os homens a conhecer a sua mais complexa realidade: a existência humana.

Bergman retratara o homem frente às questões tais como a morte, Deus, Diabo, efemeridade da vida, solidão, alienação. Em suma, retratara o homem na busca da transcendência da sua condição meramente humana, através da única forma que o homem tem para transcendê-la: a Arte.

Fonte: http://travessaliteraria.blogspot.com/2010/03/o-setimo-selo-ficha-tecnica-titulo.html#comments

Trailer do filme O SÉTIMO SELO

Fanny e Alexander

AS MÁSCARAS DE BERGMAN

Os amantes do cinema clássico americano, de décadas anteriores aos anos 1950, refugiam-se em filmes de aventura e romance justamente para esquecer que existem os problemas internos e alguns eventuais desequilíbrios atribuídos a seres humanos. Pareciam, mesmo enquanto alegravam platéias, produtos guiados pela lógica do gênero aos quais serviam. Como esperar de Keaton ou de Astaire alguma leitura freudiana sobre os freqüentes conflitos sexuais presentes nas pessoas? Os personagens da ficção promovida pelo cinema de massa, portanto, quase sempre estavam longe de determinados temas presentes em trabalhos de outros cineastas.

O círculo de arte, ou mesmo o tempo – e depois a redescoberta –, eram o refúgio de alguns artistas com temas "pouco agradáveis". No cinema clássico americano, em grande parte dos filmes os personagens pouco demonstravam crises existenciais. Viviam de acordo com as regras básicas da aventura, romance, drama e, às vezes, de algum mundo mágico onde intenções sexuais e medos internos ainda não haviam chegado. Menos ainda, tinham seus interiores expostos como fora observado mais tarde, de forma visceral por alguns cineastas. Na década de 1920, homens como Buñuel buscavam novas amostragens e significados. Enfrentavam, em contrapartida, lançamentos tumultuados e até mesmo a proibição de filmes, como ocorreu com A Idade do Ouro. A perseguição pela estética diferenciada, por trabalhos que não mostrassem a mera utilização da forma convencional do cinema como divertimento, com o tempo encontrou artistas sempre dispostos a reforçar esse caminho. Sem homens como Ingmar Bergman, o cinema ainda viveria meramente no campo externo, de intenções pouco explicadas. Também não seria desgrudado do chamado "entretenimento", igualmente descrito como um filme ligado às fórmulas que o faziam se enquadrar a um gênero. Mas claro que havia exceções no período clássico, como Renoir, Pabst, Lang e Dreyer. Verdadeiros autores.

Com Bergman, o mergulho à alma, ao interior humano – frágil, complexo, desafiador –, tornou-se uma necessidade de exploração estética. Parece impossível representar em imagens a condição humana de muitos que choram em silêncio, que, como as crianças de Fanny e Alexander, pensam dialogar com os mortos e vêem o mundo de forma diferente dos personagens de Dickens do período clássico, aventureiras do "lado" externo, com explicações, ao fim, mais precisas. Com esse filme, do início dos anos 1980, Bergman retorna à estética grandiosa. Desfila, em seqüências, suntuosidade como poucas vezes se viu em sua obra. Não esqueceu, felizmente, os artifícios que antes o tornaram grande. A criança, para tentar resumir o que o cineasta deseja, é uma peça mais importante que o baile que a circunda, que as pessoas cujas intenções não entende por completo – mesmo sem esquecer que ambas as esferas não vivem separadamente. O castelo de sua imaginação é maior enquanto a composição física, de grande beleza, é menor às necessidades do texto. Assim, pode se diferenciar o cinema e as buscas de Bergman quando comparado ao Visconti dos anos 1960, quando a suntuosidade da imagem tinha um papel tão importante quanto os personagens que percorriam os ambientes. Não se trata de uma comparação entre tais mestres, cada um em sua cruzada de explorações artísticas.

Fanny e Alexander não é um resumo da obra de Bergman, um possível capítulo final. O cineasta, após esse filme, ainda continuou trabalhando e manteve uma relação com a arte no teatro e na televisão. Os palcos são velhos conhecidos do diretor. Já havia feito filmes sobre o tema, como Noites de Circo e O Rosto, e parte de sua formação e busca das intenções humanas, como se a representação fosse inerente, estão ligadas à dramaturgia. A lição de Bergman está próxima da lição de Fellini, apesar de ambos estarem distantes em suas amostragens, estilos e inclinações às formações de seus personagens; também distante dos dois está Buñuel, que, ao invés de enveredar pelas dúvidas religiosas, como o sueco, aderiu à crítica fervorosa, à devoção de que a religião poderia castrar ainda mais os já complicados homens em relação com o mundo. Com Fanny e Alexander, Bergman chama a atenção ao olhar infantil. Seu trabalho mais autobiográfico também concede demasiado espaço aos adultos, relacionados com as crianças em pé de igualdade quando devem discutir certos assuntos ou mesmo dividir a culpa por algo. As crianças de Bergman são lançadas à fogueira dos erros humanos, de pais e padrastos confiantes na falsa razão dos dogmas religiosas. Para o pequeno protagonista e sua irmã, dois caminhos são mostrados: o teatro e a religião ortodoxa. O problema é que, enquanto guiados pelos mais velhos, como marionetes em busca de uma fuga, não podem evocar suas escolhas facilmente.

O lado bom, o teatro, é fotografado pelo mestre Sven Nykvist com claridade, com formas e cores que levam o espectador a pensar em dias felizes. São momentos em que as crianças vivem tempos de harmonia com os mais velhos, em festas ligadas à exaltação da vida pelo teatro. Eis o lado otimista de Bergman – também sua salvação promovida pela arte –, que logo seria eclipsado pelos interessantes conflitos com início na morte do pai de Fanny e Alexander (interpretado por Allan Edwall). Referência óbvia é o fato de estar encenando Hamlet no momento em que começa a se sentir mal, logo depois levado para casa. Uma cena de extrema beleza e sensibilidade mostra Alexander (Bertil Guve) relutando em se aproximar do pai. A mão do homem prende-se à do filho, como se estivesse contida nessa ação a impossibilidade de fuga do espírito, que mais tarde retorna para conversar com as crianças. Bergman dialoga com seu passado, com Shakespeare e com a vida dedicada aos palcos. O outro lado do texto, uma espécie de inferno às crianças, começa quando a mãe dos pequenos protagonistas decide se casar. Interpretada Ewa Fröling, Emilie personifica a beleza ainda jovem de uma mulher envelhecida pelas amarguras impostas por escolhas erradas e mesmo pelo seu próprio destino. Como uma mulher do início do século XX, não resta a ela muitas escolhas. Casa-se com um bispo ultra-religioso – aparentemente uma personificação malévola do próprio pai de Bergman –, interpretado na medida por Jan Malmsjö, talvez a melhor surpresa do filme.

Presos numa espécie de masmorra, as crianças passam a ser educadas sob os códigos da religião impressa pelo poder maior: o homem que manda na casa, como em sua esposa – obrigada a subtrair todo seu histórico de vida passada e começar do zero – e nas criadas. Com a mudança dos personagens também chega, de forma inevitável, a mudança das cores. A fotografia de Nykvist fica ainda mais rica enquanto a luz tenta invadir a escuridão. Como em outros filmes de Bergman, as sombras estão expostas ora ao fundo, ora à frente, dando oportunidade para que a luz invada algumas lacunas que revelam os rostos. Cena que evidencia tais formas dá-se no momento em que Alexander, libertado das amarras do padrasto, sai durante a noite para ir ao banheiro na casa do judeu Isak Jacobi (Erland Josephson). Na caminhada, perde-se pelos cômodos e encontra algumas marionetes, assim como, novamente, a imagem do pai. As sombras e a pouca revelação da vida, mesclada à face de desespero do jovem que acredita estar em contato com Deus (uma marionete de barba branca), é um dos pontos altos do filme. Depois, Alexander encontra dois rapazes que moram com Isak. Um deles vive preso em um cômodo. Em poucos minutos com o protagonista, narra, como se conseguisse prever, o destino do malvado bispo.

A obra de Bergman traz à mente um homem sereno e em silêncio no set de filmagem. Vê-lo dirigir os atores em Fanny e Alexander surge como uma surpresa. Em ação, seja na escolha dos enquadramentos, da composição e em conversas com seu parceiro Nykvist, Bergman mostrava grande vibração. Era como se pudesse fazer, àquela altura, o que bem desejasse, com a estatura de um verdadeiro mestre sem medo de errar ou de ser reprovado. Traz em cena também vários colaboradores do passado, como Josephson, Gunnar Björnstrand e Harriet Andersson, como Justina, uma das sinistras criadas do bispo. Também em cena estão atores que mais tarde fariam carreira de sucesso, como Lena Olin, que antes já havia feito uma pequena ponta em Face a Face, de 1976.

A exemplo de outros mestres da sétima arte, Bergman ajudou a definir o sentido do cineasta como um autor. Antes mesmo da nouvelle vague estourar, Jean-Luc Godard, em um artigo publicado na revista Arts, em julho de 1958 (um ano antes de Acossado), faz elogios à reestréia de Monika e o Desejo nos cinemas parisienses – "O acontecimento cinematográfico do ano" – e a relação de amor da França com o sueco. Mas, diferente da maioria dos filmes de Bergman, Fanny e Alexander tem gente demais em cena e arquitetura visual suficiente para fazer a platéia se sentir em um filme de verdade, pois muitos trabalhos do cineasta – como os de Godard e Rohmer – são usualmente acusados de serem "artísticos" em excesso. Não por acaso, é considerada sua obra mais acessível, longe de seu máximo – esse sim um resumo de suas buscas e amostras – observado em Quando Duas Mulheres Pecam. O que atrai tanto no caso de Fanny e Alexander é a fatalidade da convivência entre o lado bom e o ruim, representados em diferentes usos de luz ao longo da caminhada do personagem Alexander, uma espécie de alter ego de Bergman. Nem mesmo sua mãe pode salvá-lo, ou Deus, de quem reclama em determinado momento. Em uma cena que beira o insuportável, o bispo tenta mover a consciência do jovem a pensar como ele, fazendo então da pequena mente um fragmento submisso e controlado. Mais do que dotado do poder de ver espíritos, o jovem, de acordo com o texto, depende de sua imaginação. Esse, segundo Bergman, é o milagre de ser criança. E a riqueza é ainda mais nítida quando se imagina que o cineasta trouxe suas lembranças para mostrar como a arte, e não os dogmas religiosos, salvaram sua vida.

Cinema sem Tempo

FANNY E ALEXANDER:

"Fanny & Alexander" é um magnífico, empolgante e ambicioso filme sueco. Realizado pelo grande cineasta Ingmar Bergman, sua história acompanha os maus-tratos sofridos por duas crianças, Fanny e Alexander, principalmente este último, quando sua mãe viúva decide se casar com um bispo luterano que, agindo como um verdadeiro tirano, exige que ela deixe para trás sua casa, vestidos, jóias, bens, seus amigos, família, idéias, hábitos e tudo o mais que possa lembrar a vida que levava anteriormente.

Tendo recebido seis indicações ao Oscar, este filme sueco foi agraciado com nada menos quatro estatuetas, inclusive a do Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira. A direção de Bergman é perfeita, mantendo um ritmo adequado a prender a atenção do espectador do início ao fim. O belo trabalho apresentado por Sven Nykvist, fotógrafo preferido do cineasta, assim como, o figurino assinado por Marik Vos, são dois outros quesitos que merecem destaques.

Como na maioria de seus filmes, os questionamentos religiosos acham-se também presentes em "Fanny & Alexander". Quando as crianças encontram-se na casa do judeu Isak Jacobi, num determinado momento, por exemplo, o questionamento de Alexander sobre a existência de Deus é extremamente pesado, que não ouso repeti-lo. Em seu universo, o cineasta cria espaços para cristãos e judeus, ricos e pobres, sãos e insanos, jovens e idosos, fantasmas e magia, além de uma galeria de personagens inesquecíveis por suas peculiaridades.

O filme basicamente se inicia e termina com a família reunida, em torno de uma mesa: no início, para comemorar a passagem do Natal e, no fim, para celebrar o batismo de duas crianças.

Fonte: http://cinecultclassic.blogspot.com/2010/08/fanny-e-alexander-minisserie-completa.html

Trailer do filme FUNNY E ALEXANDER

A Hora do Lobo

por Tiago Lipka

A Hora do Lobo começa de maneira particularmente esquisita. Enquanto os créditos iniciam, o som da equipe de filmagem e de Ingmar Bergman dando instruções a equipe pode ser ouvido. Em seguida, Alma (Liv Ullmann) conversa com o público, confessando coisas que ainda veremos no segundo ato do filme. Única obra de terror que Bergman produziu, A Hora do Lobo é um pesadelo que vai ficando cada vez mais real conforme o filme passa. Lidando com alucinações de um personagem que sofre de insônia, Johan (Max Von Sydow), Bergman deixa de lado no início do segundo ato se o que vemos é real ou imaginação, aliás mais do que isso: quando ouvimos o diretor gritar "Ação" no início, Bergman já deixou claro que o filme, era só isso, um filme. Portanto por mais que vejamos os personagens vivendo sua realidade, para o público, nada daquilo é real.

Mas o belo roteiro de Bergman nos coloca lado a lado com Alma, e é através dela que acompanhamos a história do filme. Alma e Johan são um casal que, fugindo de uma crise de Johan viajam a uma ilha pacífica. Porém, os habitantes da ilha começam a visitar Johan com cada vez mais frequência, e suas características peculiares vão assustando cada vez mais o casal.

A fotografia do filme é maravilhosa e a trilha sonora é um show a parte. Agressiva e perturbadora, é a música que evoca o clima de terror que Bergman planejara. E por falar no diretor, seu trabalho nesse filme é explêndido, e o melhor até hoje que já conferi: o início do filme se revela estático e com longos planos mostrando diálogos sem cortes, no segundo ato é substituída por uma câmera nervosa (em especial a cena do jantar no castelo). Além disso, o diretor cria algumas das imagens mais perturbadoras de seus filmes, como o garoto morto que flutua no mar, ou os donos do castelo rindo enquanto Johan está com sua amante.

Em se tratando de Ingmar Bergman, já sabemos que o filme é um verdadeiro tijolo, ou seja é parado, cheio de pausas e silêncio que se acumulam e fazem a maioria das pessoas achar chato. Porém, no caso desse filme, a crescente tensão e as surpresas que seus personagens acabam revelando prendem a atenção do espectador (e acredito que seja o filme mais "acessível" que já vi de Bergman).

E ao final, resta apenas uma pergunta: Seríamos nós, o público, os fantasmas de Alma?

Fonte: http://filmesecigarros.blogspot.com/2009/06/hora-do-lobo.html

Trailer do filme A HORA DO LOBO

O Silêncio

Por Demetrius Caesar

"Não apenas um filme, reflete todo o pensamento de uma geração."

Duas irmãs estão no exterior a caminho de casa. Elas talvez mantenham uma relação incestuosa lésbica. Uma delas é tradutora e se embebeda diariamente para tentar suportar as dores de uma doença maligna que a destrói por dentro. A outra irmã, mãe de um garoto, aproveita as tardes quentes do verão russo para visitar bordéis e satisfazer seus desejos neuróticos de dominação e submissão.

Para falar de O Silêncio, de Ingmar Bergman, derradeira parte de sua “Trilogia do Silêncio”, é bom voltar ao ano de 1964, quando os estudantes atearam fogo em Paris. Só durou duas semanas o qüiproquó, mas os reflexos, como todos sabemos, foram muitos e duradouros. Já teria valido a pena só por ter dado assunto a tantos ótimos filmes. Talvez outro ótimo reflexo foi ter impedido a premiação do Festival de Cannes daquele ano – é brincadeira.

O ano 1964 entraria para a história de qualquer forma, pois foi a o ano de Bande à Part (Jean-Luc Godard), Gertrud (Carl Dreyer), Marnie, Confissões de uma Ladra (Alfred Hitchcock), Uma Mulher Casada (Jean-Luc Godard), O Esporte Favorito dos Homens (Howard Hawks), Deserto Vermelho (Michelangelo Antonioni), A Terra do Sonho Distante (Elia Kazan), O Silêncio (olha ele aí!) e Para Não Falar de Todas Essas Mulheres (ambos de Ingmar Bergman), além de O Criado (Joseph Losey, para muitos, a sua obra-prima). Essa é, pela ordem, a lista dos dez melhores filmes do ano feita pela revista francesa Cahiers du Cinéma, então a maior referência cinematográfica mundial.

Mas havia muito mais: Os Guarda-Chuvas do Amor (Jacques Demy), Um só Pecado (François Truffaut), Caravana de Bravos (John Ford), Dr. Fantástico (Stanley Kubrick), Minha Bela Dama (George Cukor, que venceu o Oscar), Diário de uma Camareira (Luis Buñuel na França), o magnífico A Mulher de Areia (Hiroshi Teshigahara), Crepúsculo de uma Raça (John Ford) e até Os Reis do Iê-Iê-Iê (Richard Lester). E olha que só usei a Cahiers de fonte, tem muito mais.

Pois O Silêncio foi eleito o oitavo melhor filme do ano com concorrência pesada, inclusive o diretor, pois o próprio Bergman entrou no duro páreo com outro de seus filmes, Para Não Falar de Todas Essas Mulheres. O cineasta sueco estava no auge do prestígio, já havia ganhado Cannes e o Oscar (esse, duas vezes), gozava de fama internacional (os cinéfilos brasileiros devoravam seus filmes com fervor quase religioso, um paradoxo) e garantido seu nome na história.

Bergman desenvolveria tema semelhante, do embate entre mulheres que psicologicamente se imiscuem, com insuperável maestria no seu filme seguinte, Persona (66), ou mesmo numa de suas obras-primas, Gritos e Sussuros (73). Bergman repetia os temas, mas são as variações deles que realmente importam. Em O Silêncio, é impossível saber qual das irmãs é projeção da outra, qual seria a verdadeira ou quem é o ego liberado da primeira, se a reprimida intelectual ou a liberada fútil. No duelo verbal, confrontadas, ambas se aniquilam. Cada uma quer ser uma parte da outra, têm inveja, mas não suportam as limitações.

Em resumo, falar de O Silêncio é, portanto, falar de um tempo mítico em que o cinema não era uma diversão, mas a legítima representação artística do que pensava, ansiava e esperava toda uma geração. O ideal marxista de 64 provou-se inviável e foi suplantado pela democracia capitalista. Os filmes, porém, resistiram ao tempo. O Silêncio tem os excessos da época e não supera as duas primeiras partes da “Trilogia do Silêncio”: Através de um Espelho e Luz de Inverno. No entanto, não há espaço hoje para esse tipo de filme; não são mais feitos. Eles são, como o ideário daquela época, apenas utopia.

Fonte:http://www.cineplayers.com/critica.php?id=765

Trailer do filme O SILÊNCIO

Cine Campus: Stanley Kubrick

2010-09-13T21:49:00.003-03:00

Cine Campus: Stanley Kubrick

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Trailer: Dr. Fantástico

Trailer: Nascido para matar

Legografia

2010-09-05T10:20:00.003-03:00

Cine Campus: Juventude Transviada

2010-09-05T10:06:00.006-03:00

Cine Campus: Juventude Transviada

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Trailer:

Excursão Planeta Terra Festival

2010-08-24T14:32:00.000-03:00

Cine Campus: Cinema e Debate

2010-08-24T14:20:00.004-03:00

Cine Campus: Cinema e Debate

Pixies

2010-08-19T17:53:00.000-03:00

Cine Campus: Clube da Luta

2010-08-19T17:47:00.002-03:00

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Trailer:

Smashing Pumpkins e Sebastião Salgado

2010-08-19T17:14:00.007-03:00

Smashing Pumpkins e Sebastião Salgado

por Breno Rodrigies de Paula

O videoclipe, enquanto gênero audiovisual autônomo, surge apenas na década de 80 do século passado. Em sua gênese, ele se desprende dos filmes musicais hollywoodianos e desenvolve cararterísticas próprias, como narratividade e performance, de forma sintética-, tanto que este dois elementos apresentam-se como estruturas recorrentes na maioria das obras do gênero: há a perfomance, com os músicos da banda simulando executarem a canção-, e há, na maioria dos casos, uma micronarrativa, desta maneira a organização sintática origina-se na alternância destes dois elementos.

Um dos estágios mais elevados de sedimentação e desenvolvimento de uma Linguagem Artítisca e, consequentemente de um subgênero, ocorre quando se estabelece um diálogo entre duas Linguagens Artísticas, como o que ocorre no videoclipe da música "Bullet With Butterfly Wings" da banda estadunidense Smashinng Pumpkins, o qual há um diálogo com a Fotografia através da obra do fotógrafo brasileiro Sebastião Salgado. Nota-se uma relação estreita entre a fotografia do videoclipe com o conjunto de fotos tiradas na Serra Pelada no final da década de 80, há ainda uma reprodução das cenas fotografadas, de modo a comporem a micronarrativa e ilustrarem o conteúdo da letra da cação.

O resultado da relação entre a Fotografia e o videoclipe, no caso da música "Bullet With Butterfly Wings" do Smashinng Pumpkins gera uma obra audiovisual de extrema qualidade e estabelece uma relação de diálogo com Sebastiao Salgado muito interessante e que se mostra fuitífera: "Betrayed desires, and a piece of the game/Even though I know - I suppose I'll show/All my cool and cold-like old job".

Videoclipe da música "Bullet With Butterfly Wings":

Fotos de Sebastião Salgado:

Cine Campus: Expressionismo Alemão

2010-08-13T10:30:00.002-03:00

Cine Campus: Expressionismo Alemão

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The Beatles

2010-08-03T11:19:00.001-03:00

Cartazes de Shows que deveria ter ido

2010-08-03T11:00:00.011-03:00

Cartazes de Shows que deveria ter ido por Breno Rodrigues de Paula

Compraria o ingresso por 5 dólares e 65 centavos, cheguei no local às 18h30-, o show começa às 19h30. Não ouviria a música, ela se dispersou na imensidão espacial-, em meios aos gritos agudos. O dia é 15 de agosto de 1965, a data marca o primeiro grande show de rock ao ar livre-, os Beatles tocaram no tradicional estádio de Baiseball em Nova Iorque para quase 55 mil pessoas.

Assistir à perfomance dos Beatles era um ato ritualístico, viu-se somenete o Quarteto gesticular-, é impossível ouvir a música em meio aos gritos. John dizia-se assustado com tamanha multidão a sua frente, o que fica nítido-, ele também adere ao transe. Executa "I'M DOWN" de forma frenética, transloucada com caretas imitativas-, cotovelos e berros.

Quem tivesse olhos, veria-, os que ouvidos tivessem, nada ouviram-, voltaria do Shea Stadium para casa, colocaria o disco de 33 rotações na vitrola-, o som mono satisfaz. Foi uma noite de um dia agradável, me senti bem-, não precisei ser socorrido. Mas destesto o som estereo, George está certo-, viva o parricídio musical!

Cine Campus: On The Road.

2010-08-03T11:00:00.006-03:00

Cine Campus: On The Road

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Trailer de Sem de Destino:

Trailer de A Encruzilhada:

O Realismo

2010-08-03T10:53:00.003-03:00

O Realismo

Por Breno Rodrigues de Paula

Realismo é um termo polissêmico. Ele pode designar tanto uma corrente Literária do final do século XIX, quanto a impressão do real provocada por um texto a partir de um certo número de procedimentos textuais. A problemática, que envolve o conceito de Realismo, se relaciona ainda com a ampla discussão do conceito de Mimesis-, ou seja, da relação da Literatura com a realidade-, e com essa negação pelas correntes Literárias Modernas que defendem a autorefencialidade da Literatura.

A Teoria Literária Moderna concebe o Realismo não como um “reflexo da realidade”, ou como uma “cópia”, nem mesmo como uma “imitação”-, mas sim como um discurso que tem as suas próprias regras e convenções, de modo que ele é considerando como sendo um conjunto de convenções textuais que naturalizam o signo lingüístico. Teóricos como Roland Barthes alegam que o Realismo é um código de significações que procura se fazer passar por natural, pontuando a narrativa literária de elementos que naturalizam o signo lingüístico. Para as correntes modernas, tais como a Formalista Russa e, principalmente, o Estruturalismo francês-, a Linguagem Literária é autoreferencial, o referencial seria um produto da semiosis-, não um dado preexistente.

A problemática, que envolve o conceito de Realismo e efeito de real, se insere dentro de um contexto ideológico, pois entre a teoria e a práxis-, tem-se a ideologia. Na perspectiva clássica, naturalista, marxista-, a Literatura possui uma estreita relação com a realidade-, ela é cópia, imita (mimesis) a realidade. Porém, na perspectiva Moderna, o Realismo é uma convenção textual, um conjunto de recursos que almeja naturalizar o signo lingüístico-, defendem ainda a autoreferencialidade da linguagem Literária, seu viés é puramente imanentista.

The White Stripes

2010-07-25T21:14:00.001-03:00

Cine Campus: Um estranho no ninho

2010-07-25T21:05:00.004-03:00

Cine Campus: Um estranho no ninho

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Trailer:

"A todo volume": um mènage à trois entre Jimi Page, The Edge e Jack White.

2010-07-25T18:34:00.010-03:00

It Might Get Loud

"A todo volume": um mènage à trois entre Jimi Page, The Edge e Jack White

por Breno Rodrigues de Paula

O documentário "A todo volume" (It might get loud, EUA, 2009)do diretor Davis Guggenhein (o mesmo do mercadológico "Uma verdade incoveniente") coloca juntos três importantes guitarrista da música pop dos últimos 45 anos: Jimi Page (Led Zeppelin), The Edge (U2) e Jack White (White Stripes)-, músicos estes de bandas, estilos e, acima de tudo, personalidades muito diferentes, para discutirem elementos relacionados ao rock'n'roll, desde as origens do gênero musical, processo criativo de cada músico no início de formação de suas respectivas bandas, bem como qual a relação que estabelecem com o seu instrumento máximo de trabalho, criação e expressão: a Guitarra.

O interessante do documentário que ele nos mostra os três guitarristas em um "ménage à trois" com intuitos e posicionamentos muito diferentes em relação à música e ao estilo. Jimi Page é o guitarista elegante, com estilo impecável e limpo, cheio de confiança adquiridos pelos seus anos de renomado guitarrista, seja de estúdio ou em bandas como The Yardbirds e Led Zeppelin-, dono de uma técnica impecável. Para ele, a guitarra é como uma escultura, uma maravilhosa peça de madeira envernizada-, daria para acariciá-la como uma mulher-, conclui que tocar guitarra é fundir-se a ela.

The Edge é apresentado como sendo o técnico, no sentido strictu sensu, um "engenheiro do som", que tem interesse no que os equipamentos técnicos podem fazer: como podem auxiliar no processo criativo e, no seu caso especiíico, no produto final. The Edge é mostrado com uma parafernalha de instrumentos: pedaleiras, receivers, computadores, mesas de edição de som-, é chamdo de "arquiteto do som", trabalha as camadas do som-, em busca de harmonias, consonâncias "perfeitas".

Jack White é o enfant terrible, o inovador-, o trabalhador duro que não gosta de facilidades e mordodmias. No início do documetário, Jack White é mostrado construindo seu próprio instrumento (parecido com o de Pitágoras) de slide bluessístico em uma tábua de madeira com uma arame esticado, com uma garrafa de vidro de Coca Cola e um captador de aúdio. Ele é contra a tecnologia, acha que ela facilita e, consequentemente, inibe a criatividade, a emoção e a verdade-, por isso nota-se o seu ar de desdenho para com o músico do U2.

Ao final de 98 minutos, nota-se a forte personalidade de cada músico, bem como eles se relacionam: Jimi Page é tratado como um Deus entre o homens, está alí para responder as perguntas dos meros mortais. The Edge é o deslocado, serve para dar um tom Pop e mais vendável para um amplo público consumidor. Jack White salva o documentário. Ele é o elemento conflitante, ao ser perguntado, logo no início, o que esperava da desta reunião-, dizia esperar não sairem na porrada, mas que iria aprender tudo que pudesse. Ele é como um ronin: um músico errante que tem uma sede enorme de aprender e sabe das suas potencialidades, sendo um dos melhores guitarrista da sua geração e membro, ao lado da sua irmã e baterista Meg White, da melhor banda dos últimos dez anos: WHITE STRIPES. Em um ménage à trois em que The Edge representa a técnica, Jimi Page o estilo elegante-, e Jack White a criatividade latente, ouço o disco DE STIJL, já ouvi bastante todos os outros do Led Zpeppelin, em vinil-, ouço obrigado, em alguma festa de família, alguma coletânea do U2.

Ficha técnica:
Título original: It Might Get Loud
Gênero: Documentário
Direção: Davis Guggenheim
Roteiro: Peter Afterman, Lesley Chilcott, Davis Guggenheim e Thomas Tull
Atores: Jimmy Page , The Edge , Jack Stripe
Duração: 98 min
Ano de lançamento(EUA): 2008
Site oficial:http://www.sonyclassics.com/itmightgetloud/
Etúdio: Thomas Tull Productions
Distribuidora: Sony Pictures Classics
Produção: Guillermo Navarro e Erich Roland
Edição: Greg Finton
Efeitos especiais: Click 3X

Sinopse:

Despindo-se de sua imagem de rock star, Jimmy Page (Led Zeppelin), The Edge (U2) e Jack White (The White Stripes), guitarristas emblemáticos de três gerações diferentes, apresentam sua história, sua filosofia musical, seu estilo e sua relação com o instrumento que tornou-se a essência da música pop. Através de visitas a locais marcantes de suas carreiras, os artistas falam de sua rebelião musical e de como forjaram seus sons particulares.

Trailer:

the velvet underground

2010-07-17T12:05:00.000-03:00

A ordem romanesca da vida

2010-07-17T11:54:00.002-03:00

A ordem romanesca da vida

por Breno Rodrigues de Paula

“Alors, ô ma beauté! dites à la vermine
Qui vous mangera de baisers,
Que j'ai gardé la forme et l'essence divine
De mes amours décomposés!”

Charles Baudelaire

O relógio não tocou, Alicia está deitada-, sua cama encontra-se rente à parede sob a janela. Um pequeno feixe de luz é projetado no seu pé direito, estão descobertos-, fazem movimentos circulares. Ora a luz incide em um, ora em outro-, isto a distrai. Não dormia de meias, gostava de estralâ-los-, adorava sentir a luz. Sua fisionomia mudou, o feixe tocara o dedinho direito-, seria a hora de se levantar. Esforçou-se para acompanhar o trajeto, esticara a perna direita ao máximo-, não mais o alcançava.

A luz incide no centro do quarto, é apenas um pequeno feiche-, ínfim0. Regina entrou gesticulando, sempre está atrasada-, falava rápido. Não compreendeu o porquê da filha não ter se levantado-, deveria estar arrumada há trinta minutos. Teve consciência do ocorrido, pegara as chaves do carro-, atravessando a sala, não viu a filha-, iriam se atrasar. Irritou-se, Alicia estava deitada-, não compreendia a situação. Tentou se recordar se o despertador tocara-, com certeza não. Ele marca apenas as horas, nunca tocara-, deveria tocar todos os dias às seis horas.

O relógio marca 5h55, Alicia desligou o despertador-, acordara. Ela não gosta do barulho feito, prefere os sons do seu corpo-, da sua respiração, do estralar dos dedos dos pés. Sua mãe chegou, a luz passara-, não quer se levantar. Pensava na história lida, concluía ser o personagem louco-, ela nunca o trairia. Ele sim teve um caso com o melhor amigo, na infância eram seminaristas-, ambos admiravam-na. A traição parecia-lhe indiferente, um dia irá escrever sobre a relação dos amigos-, seria o aspecto mais importante.

Tentara entender a exceção, a regra foi mais forte-, Alicia inverte a ordem. O livro indica isso. A mãe grita, quebra o raciocínio da filha. Entre gritos e soluços, Regina pergunta se ainda haverá tempo de levá-la à escola-, não quer se atrasar para o trabalho. O silêncio é quebrado pelo estralar dos dedos, não sabe o que responder-, vira-se para a parede. Houve gritos de raiva, ouve sons dos sapatos. A porta do quarto fecha-se, tem-se o barulho da batida.

Seu braço esquerdo dói, começa a formigar-, imagina desenhos formados pelas manchas na parede. Entediada, vira-se-, não há manchas no teto. Não tem vontade de se levantar ainda, pegara um livro debaixo da cama-, começou a lê-lo. Achava estranho o fato do filho não ter conseguido chegar ao enterro da mãe, sentia-se angustiante-, o cachorro apanhara bastante. Continuou lendo, culparam-no por não ter ido ao enterro-, matara um árabe. Sentia-se estranha, terminara-, se levanta. Percebe o desaparecimento do feixe de luz.

É o meio-dia, o sol está a pino-, sua sombra está pequena. Alicia pegou o livro, coloca-o debaixo do braço-, lera-o de manhã. Fecha o portão, o calor é insuportável-, um cachorro late, o ônibus passou-, esperara-o, atravessa a rua. Virou à direita para a Rua H, caminhara pela Avenida P-, está na Avenida E. Alguém havia morrido, o velório está cheio-, repara no sorveteiro de chapéu e roupas brancas. Vê uma criança alegre, está em dúvida se escolhe o de chocolate ou o de morango-, pega o de milho-verde. A banca de jornal está vazia, a dona conversa com uma outra mulher-, comprara o resumo das novelas.

Como adora a Avenida E, toda arborizada-, cheia de frescor. As árvores eram grandes, o sol esforçava-se para projetar algum feixe de luz-, era serena. Passara em frente a uma escola, todos estavam de branco-, saíram apressados. Viu uma casa abandonada, há sacolas e roupas sujas, velhas espalhadas-, uma mulher de olhar cansado acena de dentro, Alicia retribui-, acena a cabeça. Reparou na placa de aluga-se, chegara ao seu destino-, gostaria de morar ali.

Parara em frente à escada, reparou na frase pichada na fachada-, diziam não ouvir o famoso radialista da cidade. Subiu as escadas, são sete degraus-, colocara o pé esquerdo primeiro. Assinou o caderno, fora direto à seção circulante -, testa a sua rubrica. Um homem gordo tem dois botões da camisa abertos, está embaixo do ventilador-, olha para ela. Ele a repugna, usa um grosso cordão de ouro sobre o peito. Manda-a pegar um marcador. Alicia não lhe dá atenção, caminha para as estantes.

Pegou dois livros, os nomes deles chamaram-lhe a atenção-, gosta de ler o primeiro e o último parágrafo. Achara interessante a mistura das badaladas do relógio com o choro, mas gostou mais do jovem de passo tardo, vacilante-, ambos estavam numa dessas tardes quentes do princípio de julho. Alicia coloca um dos livros na estante, reparara na Bibliotecária na fileira ao lado-, estava recolocando-os, parava-, Luciana alinhava-os simetricamente. Volta, folheia o livro escolhido-, pega o seu marcador, coloca-o entre duas páginas quaisquer. A Bibliotecária está agora ao seu lado, não concorda-, sabe ter colocado corretamente o livro de volta à estante. Saiu, pega o corredor principal rumo ao balcão. Agora são três botões, sente nojo-, o barulho do ventilador é ensurdecedor.

No lado oposto à seção, na outra extremidade-, está a máquina fotocopiadora. Um pequeno rapaz opera-a atrás do balcão, a fila está grande. Os livros ficam empilhados em uma mesa de madeira, elas são altas-, é preciso cuidado para não desmoronarem. Na fila todos esperam a sua respectiva vez, têm rostos pálidos-, ficam fascinados com a luz. Esta é a luz, ela nunca vai embora. Alicia reconhece diversos companheiros de escola, resolve sair rapidamente. Não quer que a vejam, almeja chegar em casa-, estando no seu quarto, começaria a ler a história do jovem extraordinário.

Alicia acordara, desligou o despertador-, o relógio marca 5h59. Está virada para a parede, ficou triste pela moça ter perdido o seu véu-, seu pai morrera. Concordava com o assassinato da velha, mas não com a da sobrinha-, sentiu toda a euforia do momento. Tentava se encaixar em uma categoria, o jovem divide a humanidade em duas-, pensa. Regina adentra, notara o atraso-, está raivosa. A mãe prostrou-se ao lado da cama, não notara o feixe de luz-, começa a ladainha. Ela enumera a ordem da vida: acordar, trabalhar-, dormir. Em tom ríspido, pergunta o porquê da filha estar ainda deitada-, estando há tempos acordada. Alicia responde estar trabalhando, após a réplica sarcástica da mãe-, a filha tréplica estar pensando em coisas importantes. Ouve gritos de raiva, houve sons dos sapatos-, tenta dormir.

André Bazin e o estudo da ontologia da imagem

2010-07-17T11:47:00.002-03:00

André Bazin e o estudo da ontologia da imagem

por Breno Rodrigues de Paula

André Bazin (1918-1958) é o mais importante crítico da história do cinema. Ele foi um dos fundadores da principal publicação especializada sobre cinema de todos os tempos: a revista francesa Cahiers du cinéma. A revista serviu como embrião de jovens cineastas que viriam a ser os mais representativos da Nouvelle Vague no final da década de 50, como François Truffaut e Jea-Luc Godard. Bazin é considerado o “pai” da crítica cinematográfica. Ele desenvolveu um conjunto de linguagens que fundamentavam e embasavam o exercício da crítica cinematográfica nascente.

A importância de André Bazin para a história do cinema não se resume à crítica cinematográfica. Ele foi também um dos maiores teóricos que se debruçaram sobre temas inerentes à Sétima Arte, indo desde preocupações formais, conteudisticas e, até mesmo, históricas. Um dos seus estudos mais importantes encontra-se no seu artigo para a Cahiers du cinéma, em 1945, intitulado Problème de la peinture, no qual ele trata da ontologia da imagem. Neste artigo, Bazin discorre sobre a importância da imagem ao longo da história da humanidade, bem como qual o significado atribuído a ela e sua relação com o processo de constituição ontológica do Ser.

Uma das principais características do Ser, no seu processo de constituição ontológica, é a sua consciência de efemeridade. O Ser sabe que o tempo é voraz e que a morte é iminente. Mesmo assim, ele luta, ou joga xadrez, contra ela. Uma forma de tentar vencer a morte é a tentativa, segundo Bazin, de criar artifícios para sustentar a perenidade material do corpo. Com isto, como afirma Bazin, satisfaze-se uma necessidade fundamental da psicologia humana: a defesa contra o tempo. Já que a morte é senão a vitória do tempo sobre o Ser. Para o pensador francês, fixar artificialmente as aparências carnais do Ser é salvá-lo da correnteza do tempo mortífero.

De acordo coma tese de Bazin, o Ser busca vencer a morte e o tempo a partir da perenidade da forma, que possa ser dotada de destino temporal autônomo. No antigo Egito, mumificavam o corpo, para que ele pudesse ser eterno. Com o advento da pintura, pode-se transpor o Ser em sua forma e essência para um universo ideal à imagem do real, onde ele seja eterno. Na literatura, temos exemplos daquilo que Bazin chamou de “complexo de múmia”, como no romance O retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde, e no conto “Retrato oval”, de Edgar Allan Poe. Em ambas obras, há a tentativa de vencer a morte e o tempo a partir da imagem, tornando-se, desta forma, imortal.

Bazin salienta que com o advento da fotografia e, posteriormente, do cinema há o “embalsamento” do tempo, subtraindo-lhe, desta forma, a sua própria corrupção. Bazin afirma que, pela primeira vez, a imagem das coisas é também a imagem da duração delas. O filme não se contentaria, de acordo com Bazin, em conservar o objeto e o Ser lacrado no instante. Ele cria um conjunto de instantes, aquilo que Bérgson chamou de Durée. Ou seja, ao criar este tempo autônomo, ele se desvencilha do tempo que corrói e que causa a morte, para criar uma existência perene.

A criação de um tempo autônomo, criado pelo cinema, desvencilharia-se da mortalidade. As características do Ser estariam salveguardadas eternamente numa imagem, constituída de uma duração. Ou seja, a duração (durée) se desvincula do tempo real, objetivo e corrosivo, criando um tempo autônomo, independente e expositivo, pois expõe os anseios da perenidade da forma e da existência do Ser.

No seu artigo, Bazin analisa o impacto que a imagem possui, bem como a sua importância para o processo de constituição ontologia do Ser. Ele salienta que o homem tenta vencer a morte (um dos principais elementos de consciência ontológica como nos mostra Ingmar Bergmam no seu filme O Sétimo Selo, Det Sjunde inseglet, 1956) a partir da perenidade da forma e através da luta contra o corrosivo tempo objetivo. Para tanto, a pintura, a fotografia e, mais ainda, o cinema têm um enorme impacto no processo de constituição ontológica do Ser, pois servem de instrumento na tentativa de vitória no eterno jogo de xadrez contra a morte. Através da imagem, o homem transpõe elementos do real para uma outra realidade perene, onde ele possa se identificar como Ser, para todo o sempre. Al Jek Mat.

Comemorações de 13 de julho

2010-07-13T09:55:00.009-03:00

Comemorações de 13 de julho

por Breno Rodrigues de Paula

Toda expressão e linguagem artítica possui uma forma e um conteúdo. Quando, nos dias 13 de julho comemoramos o Dia Internacional do Rock, estamos salutando o gênero musical mais expressivo da Música Serial Pop da segunda metade do século passado. Mas enquanto gênero, ele possui uma multiplicidade de formas e conteúdos, que se subdividem em outros sub-gêneros-, desde o Progressivo, Punk, Ska, Indie, Tecnopop, Pop, New wave.

No início, o Rock era Rock 'n' roll, uma síntese de duas linhas evolutivas da música popular estadunidense: a Rhythm and Blues com Country and Western, podemos dizer que ele possuia 80% do primeiro e 20% do segundo (no seu primo próximo, o Rockabilly, essa proporção é de 50% por 50%). Tinha, no máximo, doze compassos, com três ou quatro rifs da escala pentatônica, a apartir de uma forma simples que não passava de três minutos.

O parricídio ocorre em 1965, quando o Rock nasce enquanto gênero e se desgarrar das formas simples e limitantes do Rock'n'roll. No dia 24 de julho, Bob Dylan liberta o gênero de suas amarras formais, a forma é expandida-, o Bardo lança a peça LIKE A ROLLING STONES. No dia 06 de agosto, os Beatles lançam o álbum HELP-, o conteúdo se torna mais complexo e amplo. A música não possui mais temática unicamente adolescente (Teenager), ela agora diáloga com outros gêneros, como a música Modal Hindu, a Erudita, etc.

A canção não estaria mais presa a uma forma fixa, pequena e limitada-, seus limites formais foram ampliados. LIKE A ROLLING STONE inicia um processo cíclico de desenvolvimento formal da música pop serial, com o desenvolvimento da forma musical, foi-se do Progressivo-, com músicas que ocupam dois lados inteiros do Álbum como, por exemplo, Thick as a Brick (1972) da banda inglesa Jethro Tull -, para a volta de formas simples com o Punk, através de músicas como Blitzkrieg Bop e I wanna be sedated (1975), dos Ramones.

Com a disco HELP, os Beatles iniciam uma segunda fase em sua carreira e modifica a musica pop serial. Com a música YESTERDAY, a configuração básica e recorrente de banda de rock'n'roll é modificada-, a canção, composta por Paul MacCartney, é executada, não por uma guitarra, um baixo e uma bateria-, mas sim por um quarteto de cordas composto por dois violinos, uma viola e um violoncelo-, sendo esta uma formação padrão típica da MÚSICA DE CÂMARA ERUDITA.

Se hoje temos o que comemorar, saudemos os que primeiro trouxeram as boas novas: BOB DYLAN e THE BEATLES. Quem tiver ouvidos, ouçam-, mas no compasso máximo, na forma cíclica-, na ontogênese e na partenogênese do desenvolvimento da Música Serial Pop. As proles são muitas, há bastardos-, filhos pródigos. Harmonias complexas, simples-, escalas pentatônicas, diatônicas-, simultaneidades: modal, tonal-, serial.

Bob Dylan - Like a rolling stone

The Beatles - Yesterday

Cólera

2010-07-06T11:21:00.001-03:00

IX Araraquara Rock

2010-07-06T10:34:00.005-03:00

IX Araraquara Rock

por Breno Rodrigues de Paula

Araraquara é a cidade do Rock Independente há nove anos através do Festival ARARAQUARA ROCK. Pelo palco da cidade passaram bandas de todas as regiões do país, além de bandas de peso dentro da Cena Independente, tais como Violeta de Outono, Mercado de Peixe, Gram, Matanza,Canastra como até mesmo CJ RAMONE. Neste ano, o Festival tem início no dia 08 às 20h00 no SESC com o show das bandas SEVENT e DEAD FISH, que tocou aqui em 2004, ao lado de Wander Wildner, Cachorro Grande.

Nos dias 09, 10 e 11 de julho o Fesrtival processegue no Teatro de Arena a partir das 16h00 com sete bandas selecionadas e três bandas convidadas por dia. Todas a atividades são gratuitas e altamente recomendadas. Tem-se como destaque deste ano duas bandas: TERMINAL GUADALUPE, banda Curitibana selecionada no Festival de 2005 e agora convidada, e a banda Punk CÓLERA, uma das mais importantes do gênero. Outra banda de destaque é ANGRA, que abriu a turné REBIRTH em Araraquara em 2001.

SITE: http://www.araraquararock.com.br/

Segue abaixo a programação completa:

08 de Julho SESC - ARARAQUARA
“Abertura Oficial”
20h00 - Sevent
21h00 - DeadFish

09 de Julho – 17h30
Teatro de Arena Prefeito Benedito de Oliveira
17h30 - Gametas (Rio de Janeiro – RJ)
18h00 - The Midnight Sisters (São Paulo – SP)
18h30 - Fenícia (Descalvado – SP)
19h00 - Baranga (São Paulo – SP)
19h30 - Hierofante Púrpura (Mogi das Cruzes – SP)
20h00 - Single Parents (São Paulo – SP)
20h30 - Collateral – Banda local vencedora do “Esquentando as Guitarras 2010”
21h30 - Fabulous Bandits
22h30 - Terminal Guadalupe
23h30 - Made in Brazil

10 de Julho – 17h30
Teatro de Arena Prefeito Benedito de Oliveira
17h30 - Andragonia (Sorocaba – SP)
18h00 - Ace 4 Trays (São Paulo – SP)
18h30 - Rygel (São Paulo – SP)
19h00 - Mother Zombie (Jabotical – SP)
19h30 - Holiness (Erechim – RS)
20h00 - Thriven (Campinas – SP)
20h30 - Adágio (Araraquara – SP)
21h30 - Medgator
22h30 - Korzus
23h30 - Angra

11 de Julho – 18h00
Teatro de Arena Prefeito Benedito de Oliveira
18h00 - Mordeth (Rio Claro – SP)
18h30 - Garrafa Vazia (Rio Claro – SP)
19h00 - Awakke (Araraquara – SP)
19h30 - ForkA (Santo André – SP)
20h00 - Kamala (Campinas – SP)
20h30 - House Goes Down (Araraquara – SP)
21h00 - Cólera
22h00 - Corréra
23h00 - Biohazard

Cine Campus: Bastardos Inglórios

2010-06-25T07:31:00.003-03:00

Cine Campus: Bastardos Inglórios

Primal Scream

2010-06-19T10:01:00.002-03:00

Cine Campus: Die Fetten Jahre sind vorbei

2010-06-19T09:51:00.005-03:00

Cine Campus: Die Fetten Jahre sind vorbei

Entrem na comunidade do CINE CAMPUS no orkut: http://www.orkut.com.br/Community?cmm=40830526
Blog: www.cinecampusararaquara.blogspot.com

Trailers

Adeus, Lenin!

Edukators

O mundo – representação

2010-06-18T09:32:00.005-03:00

O mundo – representação

por Breno Rodrigues de Paula

O ponto mais controverso, e antigo, dentro das discussões da Teoria da Literatura diz respeito à questão sobre a relação da Realidade com a Literatura, sistematizado pelo conceito de mímesis. Tal conceito possui sentidos diversos desde Platão, Aristóteles, e um papel conflitante com as correntes modernas da Teoria da Literatura, tais como o Formalismo Russo e o Estruturalismo Francês, que pregam a auto - referencialidade do Texto Literário.

A mímesis é o termo mais geral e recorrente sob o qual se concebem as relações entre Literatura e Realidade. Para Platão, na sua obra A República-, a mimeses é vista como “imitação” da realidade. Por seu turno, Platão faz restrições a esta prática de “imitação”, pois, segundo aos seus preceitos filosóficos-, a realidade já é uma cópia, uma imitação do “mundo das idéias”. Portanto, a Literatura seria condenável por ser a “cópia da cópia” e, deste modo, imperfeita e imprecisa-, o que obriga o filosofo grego a criar restrições em relação aos Poetas (Aedos) na República, como exposto no capítulo X da sua referida obra.

Para Aristóteles, a mimess era vista como “representação” das ações humanas pela linguagem. Os gêneros literários se classificariam de acordo com as formas e os meios de ‘imitação”. A Comédia seria a “imitação dos homens inferiores”, dos vícios humanos. Por seu turno, a Tragédia seria a imitação de “caráter elevado”, completa e de certa extensão, com linguagem ornamentada. Já a Epopéia teria as mesmas características da Tragédia, contudo-, teria uma extensão narrativa maior e não estaria sujeita às regras das três unidades: unidade de ação, tempo e espaço.

Com a Modernidade Literária houve uma crise do conceito de mímesis. Ela passou a ser questionada por aqueles (Escritores e Teóricos) que defendiam a autonomia da Literatura em relação à realidade: defendiam a semioses sobre a mímesis. Alegavam que tudo o que a Linguagem pode imitar, é a própria Linguagem-, de modo que a Literatura não trataria de outra coisa, senão dela mesma-, seria, portanto, auto-refencial. Para a perspectiva Moderna, o referente é um produto da semioses e não um dado preexistente-, ou seja, é um produto da própria linguagem, do sistema semiológico.

Para concluir, segundo a tradição clássica, realista-naturalista-, a Literatura tem por finalidade representar a realidade. Todavia, para a tradição Moderna, a referência, a referencialidade à realidade-, é uma ilusão. A Literatura, assim como a Linguagem-, é dialógica, portanto ela fala dela mesma, ela se remete a si própria. Ela é autônoma frente à realidade, pois-, como ressalta Roland Barthes, o referente não tem realidade-, ele é produzido pela Linguagem e não um dado antes dela: a semiósis substitui a mímesis.

2010-06-18T08:29:00.004-03:00

XXII SEMANA LUIZ ANTÔNIO MARTINEZ CORRÊIA

Grupo Galpão

O Grupo Galpão é uma companhia de teatro criada há 28 anos, reconhecida pela montagem de espetáculos populares e de rua. Sediado em Belo Horizonte (MG), o grupo é conhecido em todo o país e também no exterior, já tendo participado de vários festivais na América e na Europa. Os elementos cênicos usados pelo Galpão apresentam as linguagens do circo e da música - sempre tocada ao vivo pelos próprios atores – resultando numa fusão do erudito e do popular.

O espetáculo “Till...”, com direção de Júlio Maciel, conta que, um dia, na eternidade, o Demônio aposta com Deus que se tirasse do homem algumas qualidades, ele cairia em perdição. Deus, aceitando o desafio, resolve trazer ao mundo a alma de Till. Vivendo em uma Alemanha miserável, povoada de personagens grotescos e espertalhões, logo de início o protagonista é abandonado em meio ao frio e a fome e descobre que a única maneira de sobreviver naquele lugar é se tornar ainda mais esperto e enganador.

Criado pela cultura popular alemã da Idade Média, Till é o típico anti-herói cheio de artimanhas e dotado de um irresistível charme. Com uma infinidade de rústicos personagens medievais, a peça conta também a história de três cegos andarilhos que buscam a redenção, sonhando alcançar as torres de Jerusalém e salvar o Santo Sepulcro das mãos dos infiéis. Num mundo em que é cada vez mais marcante a presença dos excluídos e dos desprovidos de qualquer suporte material, a parábola das aventuras do anti-herói Till Eulenspiegel torna-se de uma atualidade inquietante.

Abbey Road

2010-06-12T15:41:00.000-03:00

Cine Campus: 50 anos do filme A Doce Vida

2010-06-12T10:29:00.004-03:00

Cine Campus: 50 anos do filme A Doce Vida

Entrem na comunidade do CINE CAMPUS no orkut: http://www.orkut.com.br/Community?cmm=40830526
Blog: www.cinecampusararaquara.blogspot.com

Sinopse:

Em Roma Marcello Rubini (Marcello Mastroianni) é um jornalista que escreve fofocas para os tablóides sensacionalistas. Ele anseia ser um escritor sério mas, como tantos, nunca consegue escrever qualquer coisa mais profunda além do que ele normalmente escreve para viver. Em uma boate Marcello conhece uma herdeira rica, Maddalena (Anouk Aimée), que sofre por sentir um enorme tédio pois tudo a chateia, e ela constantemente está à procura de excitações novas. Juntos pegam uma prostituta e passam a noite fazendo um menage à trois no quarto da meretriz. Quando Marcello volta para casa encontra sua costumeira amante, Emma (Yvonne Furneaux), que tinha tomado uma overdose de pílulas para dormir. Marcello se apressa em levá-la até o hospital onde ele fica seguro que Emma se recuperará, apesar dela estar ainda muito deprimida. Marcello então corre para cobrir no aeroporto a vinda de Sylvia Rank (Anita Ekberg), uma nova atriz de Hollywood. Logo Marcello fica mais íntimo de Sylvia e é tudo que ele deseja, pois está totalmente fascinado pela beleza dela. Assim percorrem juntos os pontos turísticos de praxe, como a Praça de São Pedro, as Termas de Caracalla e a Fonte de Trevi, onde ela resolve tomar um banho com roupa enquanto Marcello tentava achar leite para um gatinho, que Sylvia tinha visto nas ruas. Ao retornar Marcello vê Sylvia se banhando e se deslumbra, principalmente quando ela o convida para tomar banho com ele. Mas ao voltarem da fonte a situação fica desagradável, pois Robert (Lex Barker), o noivo de Sylvia, a esbofeteia e faz o mesmo com Marcello, que não revida.

Ficha técnica:
Título original: La Dolce Vita
Direção: Federico Fellini
Roteiro: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli e Brunello Rondi
Gênero: Drama
Duração: 177 min
Ano de lançamento (Itália): 1960
Estúdio: Riama Film/Société Nationale Pathé Cinéma/Pathé Consortium Cinéma/Gray-Film
Distribuidora: Astor Pictures Corporation
Podução: Giuseppe Amato e Angelo Rizzoli
Música: Nino Rota
Fotografia: Otello Martelli
Figurino: Piero Gherardi
Edição: Leo Cattozzo

Elenco:
Marcello Mastroianni (Marcello Rubini)
Anita Ekberg (Sylvia Rank)
Anouk Aimée (Maddalena)
Yvonne Furneaux (Emma)
Magali Noël (Fanny)
Alain Cuny (Steiner)
Annibale Ninchi (Pai de Marcello)
Walter Santesso (Paparazzo)
Valeria Ciangottini (Paola)
Riccardo Garrone (Riccardo)
Ida Galli (Debutante do Ano)
Audrey McDonald (Sonia)
Alain Dijon (Frankie Stout)
Lex Barker (Robert)

O humano demasiado humano
em La Dolce Vita
de Federico Fellini

Breno Rodrigues de Paula

Federico Fellini (1920 - 1993) é o cineasta mais expressivo do cinema italiano. Sua filmografia é uma das mais ricas da Sétima Arte. O nome do cineasta italiano é freqüentemente colocado nas listas de “melhores cineastas de todos os tempos”. Um dos seus filmes, que sempre é citado em listas de “os melhores filmes da história do cinema”, é “A Doce Vida” (La dolce vita, Itália, 1960). O filme é uma unanimidade entre o público, os críticos e os estudiosos, que consideram-no a obra-prima de Felllini. Além de aplausos, boas críticas e uma grande quantidade de estudos, “A doce vida” foi laureado com a Palma de Ouro no Festival de Cannes de 1960. O filme é estruturado a partir de episódios encadeados como se fosse um mosaico. Pode-se dividi-lo em cinco partes, segundo cinco temas: o cinematográfico, o religioso, o intelectual, o familiar e o amoroso. O personagem central é o jornalista (colunista social) Marcello Rubini (Marcello Mastroianni), que tem acesso livre a todas as camadas e meios sociais da capital italiana.

Na primeira parte do filme, acompanhamos Marcello no ambiente da indústria cinematográfica italiana. O ponto de partida é a chegada da famosa atriz sueca Sylvia (Anita Ekberg), para atuar em filme que será rodado em Roma. A atriz é uma pessoa fútil, e ao mesmo tempo carismática, que se encontra no centro do “espetáculo”, como podemos notar na cena da “coletiva de imprensa”. As perguntas destinadas a ela vão desde “se a atriz está solteira”; ou “com qual tipo de roupa ela costuma dormir”; como também “o que ela achou da pizza romana”. Marcello caba se relacionado com Sylvia, ambos protagonizam a cena mais famosa do filme, e uma das mais famosas do cinema: A Fontana di Trevi. Nesta parte do filme, Fellini faz uma crítica a alguns aspectos da indústria cinematográfica, principalmente uma crítica às relações entre os profissionais dela.

Do ambiente da indústria cinematográfica, Marcello parte para o interior do país. Ele deve cobrir um caso de grande repercussão na Itália: duas crianças (um menino e uma menina) dizem ter visto a Santa Madonna (Virgem Maria). A história da aparição da santa se alastra, provocando um frenesi na população. Assim como a chegada de Sylvia, a suposta aparição da santa se torna um “espetáculo midiático”, o que nos leva a crer que tudo não passou de uma mentira e uma brincadeira inventada pelas crianças. Tem-se o ápice da brincadeira quando as crianças dizem ver a Madonna em meio à multidão de crentes. Chove, cria-se um tumulto-, o caos, mas o caos felliniano, no qual o sagrado e o profano se amalgamam através da ironia.

De volta a Roma, Marcello encontra com o seu velho amigo e professor Steiner (Alain Cuny). Discutem sobre o projeto do jornalista de escrever um romance. No sarau literário na casa de Steiner, conhecemos seus amigos poetas, escritores, intelectuais e a sua família: esposa e dois pequenos filhos (uma menina e um menino). Também este ambiente intelectualizado se mostra superficial. Marcello acha-o agradável, sente-se dividido pelos ambientes-, mas acredita que o conteúdo e a relações são as mesmas. Tanto que Steiner mata os seus dois filhos e se suicida, não são mostrados os seus motivos. Não há a necessidade, pois não há nada-, nenhum gosto no cotidiano da vida, seja doce ou amargo. Só que, normalmente, tal fato é midializado e, conseqüentemente, banalizado pela “sociedade do espetáculo”.

Na esfera familiar, Marcello reencontra o seu pai, que está em Roma a negócios. Após jantarem na Via Venetto (a região mais rica da cidade), o pai diz querer rever um cabaré que freqüentava na juventude. No cabaré, Marcello é reconhecido pelas vedetes. Uma delas, convida o pai para conhecer o seu apartamento. Marcello chega em seguida, a moça lhe diz que seu pai passara mal, uma súbita dor no peito. Não sabemos se o pai manteve relações sexuais ou não com a vedete. Há uma incomunicabilidade entre pai e filho, ambos agem friamente-, indiferentes em relação de um para com o outro. Aqui Fellini nos mostra o vazio das relações familiares, neste caso, o vazio da relação entre pai e filho.

Na esfera amorosa, Marcello tem uma namorada chamada Ema (Yvonne Furnaux) que é super protetora, neurótica e insegura. No entanto, o jornalista acaba se relacionando com diversas outras mulheres, dentre elas a aristocrática Madalenna (Anouk Aimée) e a atriz Sylvia. Na esfera dos relacionamentos amorosos impera a indiferença, o tédio-, o vazio. Uma cena curiosa ocorre quando Madalenna e Marcello levam uma prostituta até a sua pobre casa na periferia. Lá, Madalenna sente vontade de transar no “quarto sujo” com Marcello. A ação se mostra como um fetiche da jovem rica. Marcello se relaciona com lindas mulheres: Sylvia, Madalenna, Ema, Claúdia, mas é uma relação sem sentido, superficial-, como todas as outras: vazia.

O interessante é que os cinco grandes temas do filme: o cinematográfico, o religioso, o intelectual, o familiar e o amoroso são ironizados por Fellini. Ele nos mostra um mosaico fortemente marcado pelo sagrado e pelo profano, se bem que, em se tratando de Fellini, estes dois elementos se amalgamam, até mesmo se confundem-, pois o diretor utiliza-se do recurso da carnavalização através da típica ironia felliniana. A carnavalização dos eventos é sustentada pela idéia da “sociedade do espetáculo”, onde o humano é demasiado humano, de modo que ele deve ser midializado. Neste processo, suas ações mais triviais e insignificantes são ressaltadas. Não há consistência das ações e as relações humanas, em qualquer esfera e meio, são superficiais-, como nos mostra Fellini ao longo do filme.

A qualidade de um Artista e, acima de tudo, de sua obra se sustentam também a partir do impacto que ambos produzem no público e com o seu diálogo com a sociedade. Alguns dos seus elementos se desprendem da obra e passam a integrar a sociedade, sejam através de conceitos, idéias ou, até mesmo, expressões. Alguns artistas possuem os nomes transformados em adjetivos, temos o kafkaniano, o byroniano, o felliniano; assim também como algumas obras: há o quixotesco, o karamazoviano. No caso de “A doce vida”, o adjetivo “paparazzi” foi retirado do seu conteúdo devido ao personagem Paolo Paparazzo (Walter Santesso). O adjetivo tornou-se sinônimo de foto - jornalista que “persegue” celebridades.

Em “A doce vida”, Fellini faz uma análise da sociedade contemporânea, do cotidiano de Roma no final da década de cinqüenta do século passado. Marcello representa o homem que se configura a partir do século XX, moldado pela sociedade do espetáculo, na qual tudo são aparências e as ações sem sentido. Nada faz sentido para Marcello, mas o espetáculo da vida é, aparentemente, doce. Mas a doçura é melancolia, de modo que o doce não é tão doce, mas também não é amargo-, não há gosto nenhum. As relações humanas são vazias, sem sentido-, o espetáculo tudo banaliza. Não importa se a ação ocorra na pobre periferia, ou nos castelos, ou ainda na Via Venetto-, o homem é demasiado humano: medíocre como protagonista do seu próprio espetáculo.

Concretismo Artístico-Literário

2010-06-12T10:28:00.006-03:00

Concretismo Artístico-Literário

por Breno Rodrigues de Paula

A Poesia Concreta surge no quadro histórico-literário brasileiro a partir da década de 50 como uma das principais Vanguardas estéticas-literárias da segunda metade do século XX. Sua influência não se limitou apenas à poesia, mas se estendeu à propaganda, às artes visuais e gráficas, e à música. Todos estes elementos confluiam na Poesia Concreta através do conceito VERBI-VOCO-VISUAL. No Concretismo, a produção literária era concomitante à produção teórica, havia uma produção literária e uma produção teórica de carater expositiva, explicativa-, através de artigos, manifestos e exposições.

A Poesia Concreta surge em torno de três poetas que formam o grupos Noigandres: Haroldo e Augusto de Campos, Décio Pignatari. Outros poetas aderem, inicialmente, ao movimento concretista como, por exemplo, Ferreira Gullar e Pedro Xisto. Contudo, criam, posteriormente, descidências no movimento, como é o caso de Ferreira Gullar que se desliga do grupo Noigrandes e volta-se para o Neoconcretismo.

A Poesia Concreta seria uma prática poética que viria na evolução de poetas como Apollinaire, Mallarmé, Cummings, James Joyce e Oswald de Andrade. Uma Prática que atribui uma nova função à poesia e aos seus elementos, tais como o verso. No Concretismo, o verso é "destruído", mas o esqueleto dele ainda continua na estrutura do poema. A sintaxe discursiva é substituída por uma disposição topográfica dos elementos do poema na página. O que aproxima o poema das Artes visuais, visto que a estrutura visual do poema infere no seu significado geral, ou seja, o significante atribui elementos significantes ao significado e ao signo linguístico. É dado uma ênfase aos elementos verbi-voco-visual.

Para os seus teóricos, a Poesia Concreta seria a Poesia da Contemporaneidade. As formas antigas, com seus versos e suas estruturas estáticas não seriam viavéis na sociedade do século XX, marcada pela comunicação visual. Para eles, a poesia se distanciaria do público devido a sua forma. Para que haja, segundo eles, uma aproximação com o público, é necessário que a poesia seja de fácil acesso e reconhecimento.

Os preceitos estéticos-literários do Concretismo não se limitaram à poesia. O seu impacto é bastante relevante nas Artes plásticas, na Propaganda e na Música. A Poesia Concreta abarca o conceito verbi-voco-visual dentro de uma prática poética. Houve ainda um discurso teórico-crítico contínuo, no qual se teorizou acerca das princípais características do Concretismo. O movimento Concretista foi a principal e mais relevante vanguarda artística da segunda metade de século passado, seus preceitos revolucionaram a Literatura, as Artes plásticas e a Propaganda.

Poesia Marginal: Lixeratura?”

2010-06-01T08:58:00.003-03:00

Poesia Marginal: Lixeratura?

Curso e oficina de poesia marginal: “Poesia Marginal: Lixeratura?"

Texto de Patrícia Anzini da Costa

O Brasil, permeado por uma ditadura ortodoxa e pró-imperialista defendida pelos militares, é, desde 1964, palco de explosões de inúmeras manifestações artísticas, entre elas a arte engajada que defendia a arte como uma luta política e ética, colocando em choque fatores como participação X engajamento, nacionalismo X universalismo, folclore X modernização, etc., e temas caros como a exploração, a favela, o subdesenvolvimento e a miséria. Com isso, chegado o ano de 1968, os artistas representantes do movimento, sobretudo musical, conhecido como Tropicalismo, agora conscientes que a forma, muito mais virulenta como força de subversão que a palavra, vão representar a estética da crise. A poesia, portanto, reflete-se como um espelho da esperança de transformação individual, e consequentemente social, política e econômica para se atingir o florescimento de uma poética da realidade brasileira; e não como um instrumento de tomada de poder reduzindo a amplitude artística a uma saída conceitual para um problema político.

Decretado o Ato Institucional n°5, em dezembro de 1968, o movimento tropical encontra-se com o seu fim e seus maiores representantes são exilados. É aí que começam a proliferar livros artesanais e mimeografados, com distribuições manuais feitas pelos próprios autores em portas de bares, cinemas, restaurantes. A poesia marginal entra em cena com a proposta de, grosso modo, resgatar aquele desejo de ação coletiva dos tropicalistas em que o questionamento e a ânsia pela discussão no novo exigem outro percurso para o labirinto da procura estética: os já citados livros mimeografados. Sem depender da chancela oficial do Estado para existirem, o que possibilita um certo “drible” na censura, principalmente ideológica, artistas como Chacal, Francisco Alvim, Charles, Cacaso, etc. geram uma movimentação artística à margem que foi responsável por abalar estruturas e romper com formas estéticas ultrapassadas, propondo alterar o quadro estagnado da produção cultural nrasileira de então. Aquelas “mercadorias romântico-artesanais”, segundo Carlos Alberto Messeder Pereira, traduziam o “anti” (intelectualismo, tecnicismo, formalismo) em uma forma de gritar criticamente frente ao sufoco da repressão.

O objetivo do curso é, primeiramente, apresentar sucintamente o movimento literário do final da década de sessenta e começa da de setenta conhecido posteriormente como “poesia marginal”. Ainda pouco se sabe sobre essa manifestação poética brasileira que contribuiu significamente para levantar questões sobre modernização, arte, leitor, indústria cultural e a presentificação que tanto domina os poemas atuais.

Além disso, pretendemos, através de uma discussão sobre alguns poemas dos poetas marginais a serem escolhidos, estimular a criação e a participação dos inscritos para que elaborem poemas com características marginais. Desta forma, criaremos, editaremos e publicaremos um “fanzine marginal” feitos pelos participantes de forma totalmente alternativa, pois um mimeógrafo será o responsável pela criação desse fanzine, contribuindo assim para o incentivo da reflexão sobre poesia e seu alcance nos dias atuais. A distribuição será feitas pelos próprios participantes, especialmente no dia em que, se possível, um poeta marginal venha até o campus como convidado para um bate-papo sobre a poesia marginal da década de 70.

Realizadores do Curso sobre Poesia Marginal e Curadores da Exibição de Filmes Marginais: Patrícia Anzini da Costa e Breno Rodrigues de Paula

Patrícia é pós-graduanda no programa de Estudos Literários da Faculdade de Ciências e Letras de Araraquara – UNESP/FCLar, bolsista CAPES. Está em processo com sua pesquisa que gira em torno dos ecos das conquistas do Tropicalismo na poética de um escritor da geração marginal, o Cacaso.

Graduado em Letras, Mestrando em Estudos Literários pelo Programa de Pós-graduação e responsável pelo CINE CAMPUS da Faculdade de Ciências e Letras de Araraquara-UNESP/FCL-AR.; escreve sobre cinema, literatura e áreas afins no blog Travessa Literária www.travessaliteraria.blogspot.com e em outras mídias. Desenvolve atividades na área de Linguagem, Comunicação e Artes.

Cine Campus: Semana de Ciências Humanas - Mostra de Cinema Brasileiro

2010-05-21T14:46:00.004-03:00

Cine Campus: Semana de Ciências Humanas
Mostra de Cinema Brasileiro

Entrem na comunidade do CINE CAMPUS no orkut: http://www.orkut.com.br/Community?cmm=40830526
Blog: www.cinecampusararaquara.blogspot.com

Semana de Ciências Humanas

Tema: América Latina

Gostaríamos de convidar todos os estudantes da FCL para participar da Semana de Ciências Humanas, promovida pelos Centros Acadêmicos da Faculdade de Ciências e Letras de Araraquara. A Semana tem por objetivo unir as áreas do conhecimento de nosso campus, a fim de promover uma integração interdisciplinar que permita a abordagem de temas em diferentes perspectivas.

Contamos com a participação de todos.

CACEF, CACEL, CAMT, CAFF e CAAP.

Mini-cursos: (dos dias 25/05 a 27/05 das 9h – 12h). (com coffee break).

Economia do Meio Ambiente: Uma abordagem Latino-americana. - Local: Sala 25

Profª. Drª. Luciana Togeiro de Almeida

Leitura de textos de mídia: Contribuições da análise do discurso para uma reflexão sobre a América Latina.

- Local: Sala 35

Profª. Drª. Maria Célia Mendonça e Profª. Drª. Renata Marchezan

Ruralidade na América Latina contemporânea. - Local: Sala 36

Profª. Drª. Renata Medeiros Paoliello

Arte-Pedagogia e a cultura Latino-americana. - Local: Sala 37

Profª. Euzania Andrade

Tópicos em contabilidade e a América Latina. - Local: Sala 38

Prof. Dr. Álvaro Martim Guedes

Palestras: (das 19h – 23h) (palestra de sexta – 28/05 das 14h:30 – 17h:30). (com coffee break).

Segunda- 24/05 - Prof. Dr. Enrique Amayo Zevallos (FCLar) e Profª. Drª. Sílvia de Carvalho.

Mesa: “Políticas econômicas: o caso amazônico; e a importância das sociedades indígenas amazônicas para o futuro da humanidade”. - Local: Anf.A

Terça- 25/05 - Profª. Drª. Cristina Martins Fargetti (FCLar) e Prof. Dr. Paulo José Brando Santilli (FCLar).

Mesa: “As culturas, as línguas e os direitos territoriais indígenas na América Latina”. - Local: Anf.A

Quinta- 27/05 - Prof. Dr. Angel Humberto C. Mori (IEL-Unicamp) e Profª. Drª. Roseana Costa Leite (FCLar).

Mesa: “Povos ameríndios e as políticas lingüísticas; e as políticas pedagógicas latino-americanas”.

- Local: Anf. A

Sexta- 28/05 - Prof. Dr. Marcio Bobik Braga (FEA-RP) e Prof. Dr. Newton Duarte (FCLar).

Mesa: “Pensamentos econômicos e pedagógicos na América Latina”. - Local: Anf. A

Atividades Culturais:

14h - 17h Cine Campus – Amostra de Cinema Brasileiro

Terça - 25/05 – Exibição do filme “A Marvada Carne” seguido de discussão com a Profª. Drª. Sylvia Telarolli. - Local: Anf. A

Quarta - 26/05 – Exibição do filme “Orfeu Negro” seguido de discussão com a Profª. Drª. Edvanda Bonavina da Rosa. - Local: Anf. B

Quinta - 27/05 – Exibição do filme “Cronicamente inviável” seguido de discussão com a Profª. Drª. Fabiane Renata Borsato. - Local: Anf. A

17h - 18h.

Quarta - 26/05 – Apresentação da peça “Maria de Deus”. Grupo Urucum de Teatro Experimental (45min.). - Local: Gramado ao lado da Cantina

19h - 21h.

Quarta - 26/05 – Exibição do documentário “Queimada” seguida de atividade com a Profª. Drª. Silvia B. Adoue.- Local: Anf.B.

· As inscrições para o evento e os mini-cursos são gratuitas e devem ser feitas nos C.A’s até segunda-feira dia 24/05/10, ou através do e-mail: semanach@gmail.com (Nome, Curso, R.A. e Mini-

Conjugações Proletárias

2010-05-21T14:45:00.002-03:00

Conjugações Proletárias